Exposición "Vanguardia. Sobre un carro en el siglo XXI" 6+

El Centro Yeltsin junto con la "Enciclopedia de la vanguardia rusa" representan "Avangard. En un carro en el siglo XXI" - la primera exposición en la historia del estudio del arte ruso, que revela la historia de la exhibición de arte contemporáneo, sin precedentes para ciudades provinciales El proyecto contiene casi un centenar de obras del artista 51, de las colecciones del Museo de Arte Vyatka, el Museo de Costumbres Locales de Yaransk y el Museo de Costumbres Locales Sloboda.

Exposición “Vanguardia. En un carro en el siglo XXI ”se refiere a los acontecimientos del turbulento período posrevolucionario en la Rusia soviética, las nuevas oportunidades que se abrieron para el arte y las difíciles condiciones en las que trató de abrir el camino al espectador. En 1918-1921, las obras de vanguardia fueron compradas en grandes cantidades por la comisión estatal para ser enviadas a varias regiones del país. Se enviaron más de 1.100 obras a 32 ciudades y pueblos, donde se abrieron talleres de arte gratuitos estatales. Sobre su base, se suponía que crearía toda una red de museos de arte moderno, que mostrarán arte innovador en las provincias y educarán a artistas capaces de hacer una revolución cultural. La devastación y las penurias de la época posrevolucionaria no permitieron que este proyecto utópico se hiciera realidad.

Un episodio importante, pero poco conocido, resultó ser el destino de tres exposiciones organizadas por el departamento regional del Glavmuseum de la ciudad de Sovetsk en la provincia de Vyatka (región de Kirov). Dos exitosas exposiciones celebradas en el distrito de Sovetsk por educadores y entusiastas locales en 1920 los inspiraron a un gran proyecto. En octubre de 1921, se inauguró la Tercera Exposición Itinerante en Sovetsk. Fue un éxito de taquilla incluso para los estándares metropolitanos. Las obras fueron traídas de Vyatka, Moscú, Petrogrado, Kazán. Participaron 55 artistas, 322 obras, entre ellas Kandinsky, Rodchenko, Stepanova, Udaltsova. Para la provincia, esta fue una escala sin precedentes. La exposición asombró al público con su novedad y singularidad. Muchas obras, especialmente las de vanguardia, no fueron comprendidas por los visitantes.

Según el plan de los organizadores, las pinturas debían viajar a través de 7 ciudades de la provincia: Sovetsk, Yaransk, Tsarevo-Sanchursk, Malmyzh, Urzhum, Nolinsk, Vyatka. Un mes después de la inauguración, las obras maestras en carreteras rotas en carros se llevaron de Sovetsk a Yaransk, donde, debido a problemas con la financiación y al comienzo de las condiciones todoterreno, permanecieron para siempre. Varias veces iban a ser llevados a Vyatka, pero todos los intentos fueron infructuosos. Solo en 1965, 77 de las 322 obras fueron transferidas al Museo de Arte de Vyatka.

Los esfuerzos combinados del Centro Yeltsin y el equipo de la Enciclopedia de las Vanguardias Rusas hicieron posible recrear parcialmente estas exposiciones. Decenas de obras llevan casi 100 años esperando ser redescubiertas y contar al espectador su historia y la historia de una época difícil, pero importante, en la que fueron creadas. Desafortunadamente, no todas las obras han sobrevivido hasta el día de hoy, y algunas de ellas aún están pendientes de restauración y mejora de las condiciones de almacenamiento.

La exposición mostrará por primera vez una serie de obras, especialmente restauradas para este proyecto. En total, la Enciclopedia de las Vanguardias Rusas y el Museo de Arte Vyatka. Vasnetsovs, se llevó a cabo la restauración de diez pinturas. Entre ellos: "Lying Woman" de Georgy Lazarev, "Square. Escenografía para Khovanshchina de Fyodor Fedorovsky, Escenografía de Alexander Rodchenko.

Artistas presentados en la exposición: Andreevskaya, Belyanin, Bubnova, Vshivtsev, Grentsevich, Grigoriev, Denshin, Demidov, Drevin, Kandinsky, Kachura-Falileeva, Klyun, Knyazev, Kolesnikov, Kravchenko, Kruglikouty, Kudzareyashovina, Mallavia Medvedev, Merkushev, Miganadzhian, Mikhailovsky, Morgunov, Nikitin, Dolor, Paltseva, Pestel, Pleschinsky, Popova, Radimov, Rodchenko, Rozanova, Sinezubov, Sokolov, Stepanova, Timofeev, Udaltsova, Falileedorev, Fedorova-Fedorkova, Fedorkova., Chernyshov, Shterenberg, Shcherbakov, Exter, Yakimchenko.

Mashkov Ilya Ivanovich, Paisaje, 1911, óleo sobre lienzo, 53 x 71 cm

Representante de la escuela de pintura de Moscú, uno de los fundadores de la sociedad "Jack of Diamonds", en 1908 Mashkov (1881-1944) viajó por Europa. Este paisaje mostró su fascinación por el arte francés, un estilo de fauvismo en el que trabajaron artistas como Matisse y que se distinguió por el uso de colores y combinaciones de colores brillantes y a menudo antinaturales. También reflejó los elementos del primitivismo y el "desenfreno desenfrenado del pincel" característico de las obras de Mashkov de este período. El cielo anaranjado penetrante, en contraste con el mar azul profundo y las montañas rosadas, reflejaba la codicia del artista por la pintura, como si llenara todo el ambiente.

Ekster Alexandra Alexandrovna, Paisaje de la ciudad (Composición), c. 1916, óleo sobre lienzo

A principios del siglo XX, las artistas atrevidas se convirtieron en miembros activos de la nueva sociedad y participantes entusiastas de la revolución estética. La heralda de la vanguardia rusa, Alexandra Exter (1882-1949), se graduó en la Escuela de Arte de Kiev y se casó con un abogado de éxito, pasó varios años en París, donde estudió en la Accademia de la Grand Chaumiere y fue amiga de Guillaume. Apollinaire, Georges Braque, Fernand Leger, Pablo Picasso y Ardengo Soffichi. Pronto pasó de naturalezas muertas bastante amateur a experimentos cubistas más maduros. Cityscape es una de las obras más icónicas de Exter, escrita en el estilo cubo-futurismo, característico de la vanguardia artística rusa de esos años.y esforzarse por combinar los principios del cubismo (descomposición de un objeto en sus estructuras constituyentes) y el futurismo (desarrollo de un objeto en la “cuarta dimensión”, es decir, en el tiempo). Como la intrincada ornamentación de una alfombra, todo el espacio del lienzo está lleno de formas geométricas de casas y fábricas. Exter mira el paisaje urbano desde arriba y lo extiende sobre la superficie del lienzo, desmembrando edificios en formas compuestas y doblándolos nuevamente.

VV Kandinsky "Boceto de la composición" Rojo con negro ", 1915, papel, acuarela, tinta, barniz, 22,8x33,8.

La obra pertenece al período de Moscú de la obra de Wassily Kandinsky (1866-1944), cuando el maestro hizo poco debido a sus deberes estatales. Pequeños diseños fantásticos, similares a signos-símbolos gráficos, se combinan maravillosamente dentro de toda la composición de 1915, amarillo, azul, manchas rojas, nubes de colores, suaves, a menudo delineados, forman las combinaciones más complejas. Entre ellos, como relámpagos de diferentes colores, las líneas parpadean en zigzag. Estos puntos son a veces más, a veces menos. Se trata de un coro de colores que irrumpe en el alma desde la naturaleza, según el propio artista.

La acuarela se pegó al dibujo de V. Chekrygin (1897 - 1922) "Escena en el campo" y de esta forma llegó desde Yaransk (región de Kirov) al Museo de Arte de Kirov en 1965. La acuarela es un boceto de la obra. "Composición. Rojo con negro "1920, ubicado en el Museo Estatal de Artes de la República Socialista Soviética de Uzbekistán (Tashkent).

Feshin Nikolay Ivanovich “En el samovar. Retrato de OM Yaseneva ", 1913, óleo sobre lienzo, 80,6x98,4

En sus años de decadencia, IE Repin (1844-1930) nombrará a NI Feshin como el mejor pintor de Rusia. En Kazán, Feshin creó sus obras más destacadas del período ruso. Uno de ellos es el retrato de OM Yaseneva, escrito durante el período en que ella vino de Ufa a Kazán para ingresar a los Cursos Superiores para Mujeres de Kazán.

Yaseneva OM dejó recuerdos de la creación del retrato: “Un día, en la primavera de 1913… Un joven bajito, vestido con modestia se acercó a nosotros… Feshin (era él)… Unos días después….Feshin expresó su deseo de pintar mi retrato… Feshin me pidió que preparara para la sesión un vestido de mañana - un capó o matiné… Durante las sesiones, habló sobre sus viajes a Europa… Feshin fue muy exigente sobre su trabajo. Estaba molesto porque no podía expresar lo que pretendía, y a menudo se lavaba o manchaba parte del lienzo y comenzaba de nuevo.

Las sesiones no duraron mucho. Comenzaron mis exámenes y Nikolai Ivanovich dijo que se tomaría un descanso de su trabajo y no terminó un poco el retrato. "

Lyubov Popova. Arquitectura pintoresca. 1918. SCM

Lyubov Popova llamó a sus composiciones geométricas escritas en 1916-1918 "Arquitectos pintorescos". Era su propia versión de la pintura no objetiva asociada con el suprematismo de Kazimir Malevich.

El término “arquitectónica” utilizado por Popova indica que ella consideraba el principio de la arquitectonicidad, que provenía de la arquitectura, como una fuente importante para las obras de este ciclo. El ciclo de obras no objetivas, mostrado por ella en 1916 en la exposición "Jack of Diamonds", se llamó "Shah-Zinda". Esto enfatizó la fuente de la creación de composiciones no objetivas: el famoso monumento arquitectónico de la Samarcanda medieval, que Popova vio durante un viaje a Asia Central en 1916.

A lo largo de 1917, la evolución de la "arquitectónica pictórica" siguió el camino de la complicación compositiva: hay una intersección e interpenetración de planos de color. Durante este tiempo, Popova crea alrededor de cien obras. En su nota “Análisis de las cosas a partir de fotografías” escribe: “El espacio pintoresco se construye mediante la relación de cortina de planos. La línea se introduce independientemente del volumen en su forma pura, como trazo gráfico. El color juega un papel de textura y [su] tensión determina la construcción del espacio. "

La "Arquitectura pintoresca", ejecutada en 1918 (hay más de veinte), lleva a la perfección los principios de combinar planos de color. Más adelante en la obra de Popova sigue un nuevo avance en el espacio: el ciclo de "Construcciones pintorescas" (1920).

Alexey Kravchenko. Arco iris. 1913. VKhM

El cuadro "Arco iris" de Alexei Kravchenko fue escrito en 1913, cuando su estilo de pintura individual ya estaba tomando forma. En ese momento, Kravchenko completó su educación artística. Primero, se graduó de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde asistió a la escuela de habilidades pictóricas de Sergei Ivanov, Konstantin Korovin y Valentin Serov. Luego recibió lecciones de artes gráficas del famoso dibujante Shimon Holloshi en Munich.

A principios de la década de 1910, Kravchenko realizó un viaje creativo por Italia y Grecia, donde estudió arte clásico.

Al mismo tiempo, se dejó llevar por el arte francés contemporáneo y Paul Cezanne se convirtió para él en una especie de guía de la pintura.

Todas estas variadas tendencias se concentran en la pintura "Arco iris". El paisaje está construido sobre el modelo clásico: las alas (árboles) están en primer plano, detrás de ellas se abre un paisaje que lleva la mirada hacia las profundidades. Pero al mismo tiempo, el paisaje parece bastante arbitrario, ya que está pintado con colores brillantes al estilo del sezanismo de Moscú.

La pintura "Arco iris" merece atención como obra final de los primeros Kravchenko.

Comisarios de exposiciones

Andrey Sarabyanov (Moscú) - crítico de arte, comisario, editor, investigador de la vanguardia rusa, editor de la "Enciclopedia de la vanguardia rusa".

Natalia Murray (Londres) - crítica de arte, comisaria, profesora en el Courtauld Institute de Londres.

Anna Shakina (Kirov) - crítica de arte, candidata a la historia del arte, directora del Museo de Arte Vyatka. Vasnetsov.

Con la participación del proyecto cultural y editorial "Enciclopedia de las Vanguardias Rusas".