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Novgorod School of Icon Painting

26.10.2020 14 637
Introducción Un destacado centro de Arte cristiano, la escuela de Novgorod produjo tantos pinturas de paneles de tan alta calidad, entre los siglos XII y XVI, que su producción merece clasificarse entre las mejores y más importantes en la historia de pintura de iconos. Ciertos iconos bizantinos, es cierto, como la Virgen de Vladimir (c.1131), pueden superar a cualquiera producido por la escuela de Novgorodian; pero hay muchas obras maestras individuales de Arte ruso, aunque no existen suficientes iconos bizantinos para permitirnos formar una idea justa del estándar general alcanzado por los pintores bizantinos en un período determinado. Hasta más Arte bizantino sin descubrir, la escuela de pintura de iconos de Novgorod debe ser aceptada como la más rica y prolífica. (Por favor vea también: Arte cristiano, período bizantino.)

Orfismo (Simultanismo): Historia, Características

26.10.2020 5 745
¿Qué es el orfismo? ¿Qué es el cubismo órfico? Era un estilo colorido de corta duración pero influyente. arte abstracto, creado principalmente por Robert Delaunay (1885-1941) y su esposa Sonia Delaunay-Terk (1895-1979), en respuesta al austero estilo monocromático de cubismo analítico defendido por Picasso y Georges Braque. Otro pintores abstractos asociado con el orfismo incluyen el pintor franco-checo Frank Kupka (1871-1957), Francis Picabia (1879-1953), Jean Metzinger (1883-1956), Marcel Duchamp (1887-1968), Fernand Leger (1881-1955) y otros.

Pintura neoclásica: definición, características

26.10.2020 8 586
Recursos adicionales El renacimiento de lo antiguo La pintura neoclásica generalmente incluía un énfasis en el diseño lineal austero en la representación de eventos clásicos, personajes y temas, usando escenarios y vestimentas históricamente correctas. Su surgimiento fue muy estimulado por el nuevo interés científico en la antigüedad clásica que surgió durante el curso del siglo XVIII. Una serie de descubrimientos arqueológicos notables, en particular la excavación de las ciudades romanas enterradas de Herculano (a partir de 1738) y Pompeya (a partir de 1748), provocó un aumento del interés renovado en Arte romano. Además, desde alrededor de 1712 en adelante, varias publicaciones influyentes de Bernard de Montfaucon (1655-1741), Giovanni Battista Piranesi (1720-78), el Conde de Caylus y Robert Wood proporcionaron grabados de monumentos romanos y un mayor interés en clasicismo y antigüedad clásica. Todo esto ayudó a los académicos a establecer una cronología más precisa para el arte grecorromano, cuyos numerosos hilos y estilos estimularon un mayor respeto por la cultura de la época. Los entusiastas escritos del historiador y erudito alemán. Johann Joachim Winckelmann (1717-68) fueron particularmente influyentes a este respecto y rápidamente lo establecieron como el campeón de Arte griego, y del estilo latente del neoclasicismo.

Escuela de Nueva York: expresionismo abstracto americano

26.10.2020 29 257
En una palabra La frase "Escuela de Nueva York" es un término general que generalmente se aplica al grupo suelto de Pintores del siglo XX con sede en la ciudad de Nueva York durante los años 1940 y 50. Aunque abarcó varios estilos diferentes de pintura (en particular, "Action-Painting" y "Color Field"), el término se ha convertido en sinónimo del movimiento artístico conocido como Expresionismo abstracto, que fue encarnado por artistas inmigrantes europeos como Hans Hofmann (1880-1966) y Arshile Gorki (1905-48), y por pintores estadounidenses como Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70) y Willem De Kooning (1904-97). Debido a su éxito a una fusión de europeos estética y el deseo estadounidense de relevancia social, la Escuela de Nueva York fue una de las más influyentes movimientos de arte moderno y ayudó a la ciudad a reemplazar a París como el centro mundial de arte de vanguardia, reflejando la creatividad y el músculo financiero del Nuevo Mundo. Muchas de sus obras están clasificadas junto con mejores pinturas del siglo XX.

Arte renacentista holandés

26.10.2020 13 675
Ver también: Arte renacentista alemán (1430-1580)

Arquitectura neoclásica (1640-1850)

26.10.2020 8 221
Recursos adicionales Introducción En arquitectura, Neoclasicismo (o simplemente clasicismo) señaló un retorno al orden y la racionalidad después del extravagante Barroco, y la frivolidad decorativa de la Rococó. Como un estilo compuesto por muchos elementos, basado en un grado variable en las formas antiguas de Arquitectura griega y Arquitectura romana, la arquitectura neoclásica puede ser imitada en mayor o menor medida. Por esta razón, los diseñadores de edificios han seguido tomando prestados modelos griegos y romanos desde mediados del siglo XVII, ¡incluso podría decirse desde la caída de Roma en el siglo V! – lo que hace que el neoclasicismo sea el estilo de construcción más popular del mundo.

Neoimpresionismo: movimiento de pintura

26.10.2020 8 706
¿Qué es el neoimpresionismo? – Características El término Neoimpresionismo fue utilizado por primera vez en 1886 por el crítico de arte francés. Felix Feneon para describir un estilo del siglo XIX Pintura posimpresionista, pionero por Georges Seurat (1859-1891). Este estilo de Post impresionismo utilizó una nueva técnica de "mezcla de colores" conocida como Puntillismo (una forma específica de Divisionismo) En términos simples, en lugar de mezclar diferentes colores en una paleta y luego aplicarlos al lienzo, los artistas neoimpresionistas aplicaron diferentes colores primarios al lienzo, en grupos de pequeños puntos (puntos), y luego permitieron que el ojo del espectador hiciera lo mismo. "mezcla". Este método de pintura puntillista se utilizó para aumentar la luminosidad del pigmentos de color. Desde la distancia, los puntos de pigmento separado se unieron en su conjunto a los ojos del espectador y brillaron con el máximo brillo. Seurat mismo llamó a la técnica Chromoluminarism (luminosidad del color) en lugar de puntillismo o divisionismo. (Nota: aunque se usa indistintamente, el divisionismo se refiere al método general de aplicar pequeños trazos o toques de colores primarios separados, mientras que el puntillismo se refiere al tamaño / tipo de dab, en este caso, puntos).

Neoexpresionismo: definición, características, historia

26.10.2020 7 480
Definición y características El término "neoexpresionismo" se refiere a uno de los últimos movimientos de arte contemporáneo, que surgió entre finales Pintores del siglo XX a finales de los años setenta y principios de los ochenta. Los neoexpresionistas revitalizaron la pintura con colores fuertes, así como motivos extraídos del manierismo, el cubismo, el fauvismo, el expresionismo alemán, el surrealismo y el arte pop. Visto por los historiadores como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que dominó arte posmodernista Durante la década de 1970, el movimiento abrazó una amplia variedad de estilos nacionales de pintura que compartía ciertas características comunes. Estas características comunes incluían una expresividad extrema del color, un tema figurativo, así como una importante actividad superficial y texturalismo. Además, el movimiento marcó un regreso al formato más convencional de pintura de caballete. Expuesto en el mejores galerias de arte contemporaneo El neoexpresionismo era conocido por una variedad de nombres en ambos lados del Atlántico. En Alemania, se conocía como Neue Wilden (’Nuevos fauves’); en Italia, se llamaba Trans-avantgarde (Transavantguardia) (más allá de la vanguardia); mientras que en Francia se conocía como Figuración Libre (Figuración libre). En Estados Unidos, donde el estilo también se denominaba energismo, también abarcaba Bad Paintingy New Image Painting . A pesar de las características comunes mencionadas anteriormente, la multiplicidad de estilos adoptada por el término neoexpresionismo significa que no hay un consenso claro sobre qué constituye exactamente el arte neoexpresionista, o quién es exactamente un pintor neoexpresionista. Ver también: Historia de la pintura expresionista (c.1880-1930).

Arte neoclásico, neoclasicismo (1770-1830)

26.10.2020 8 321
Resumen El estilo artístico conocido como "Neoclasicismo" (también llamado " clasicismo ") fue el movimiento predominante en el arte y la arquitectura europeos a fines del siglo XVIII y principios del XIX. Reflejaba el deseo de reavivar el espíritu y las formas del arte clásico de la antigua Grecia y Roma, cuyos principios de orden y razón estaban totalmente en consonancia con la era europea de la Ilustración. El neoclasicismo fue también, en parte, una reacción contra la ostentación de Arte barroco y la decadente frivolidad de lo decorativo Rococó escuela, defendida por la corte francesa, y especialmente la amante de Luis XV, Madame de Pompadour, y también estimulada en parte por el descubrimiento de ruinas romanas en Herculano y Pompeya (1738-50), junto con la publicación en 1755 del libro de gran influencia Pensamientos sobre La imitación de las obras de arte griegas, por el historiador y estudioso del arte alemán Johann Winckelmann (1717-68). Todo esto condujo a un renacimiento de la pintura neoclásica, la escultura y el diseño arquitectónico en Roma, una importante parada en el Grand Tour – desde donde se extendió hacia el norte hasta Francia, Inglaterra, Suecia y Rusia. Estados Unidos se entusiasmó mucho con la arquitectura neoclásica, sobre todo porque prestó a los edificios públicos un aura de tradición y permanencia. Los pintores neoclásicos incluyeron a Anton Raphael Mengs (1728-79), Jacques-Louis David (1748-1825), Angelica Kauffmann (1741-1807) y Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867); mientras que los escultores incluyeron a Jean-Antoine Houdon (1741-1828), John Flaxman (1755-1826), Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844). Entre los exponentes más conocidos de la arquitectura neoclásica estaban Jules-Hardouin Mansart (1646-1708), Jacques Germain Soufflot (1713-80), Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), John Nash (1752-1835), Jean Chalgrin (1739-1811), Carl Gotthard Langhans (1732-1908), Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) y Benjamin Henry Latrobe (1764-1820).

Escuela Napolitana de Pintura (1600-56)

26.10.2020 16 116
Introducción La llegada de Caravaggio en Nápoles y su trabajo durante sus visitas allí (septiembre de 1606 a junio de 1607 y octubre de 1609 a julio de 1610) produjeron un choque formidable en los círculos artísticos locales. (Ver también: Caravaggio en Nápoles.) Algunos pintores napolitanos pueden haber tenido algún conocimiento previo de Caravaggio, pero la mayoría de ellos se enfrentaron solo con su último estilo, el más radical, que fue difícil para Artistas manieristas para comprender. Paradójicamente, para un hombre tan violento, el estilo de pintura naturalista de Caravaggio era el vehículo perfecto para Arte católico de contrarreforma : una causa tomada con entusiasmo por la devota ciudad de Nápoles. (Ver también: Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII..) Por esta y otras razones, pintando en Nápoles – al menos en el siglo 17 – nunca volvería a ser lo mismo.

Pintura barroca napolitana (c.1650-1700)

26.10.2020 21 527
Efecto de la peste en el arte napolitano La idea de que las trágicas consecuencias de la plaga de 1656 alteraron significativamente el desarrollo de pintando en Nápoles o introducido Arte barroco a la ciudad, ahora ha sido refutada. El hecho de que las tradiciones pictóricas de la primera mitad del siglo fueran reemplazadas no fue una consecuencia directa de la repentina desaparición de los pintores que probablemente murieron en la peste y que habían sido los artistas más destacados en el segundo cuarto del siglo. Algunas innovaciones ya son visibles en varias pinturas que datan de antes de 1656, y algunos artistas napolitanos destacados después de la plaga ya habían producido un trabajo significativo antes de que llegara la epidemia. En cualquier caso, aquellos que trabajaron en la segunda mitad del siglo, desde Gargiulo hasta Vaccaro, desde Giordano hasta Francesco Solimena, creían que continuaban la tradición del Escuela napolitana de pintura, fundado por Caravaggio (1571-1610) y Jusepe Ribera (1591-1652). (Ver también: Caravaggio en Nápoles.)

Nazarenos: pintores católicos alemanes en Roma

26.10.2020 5 597
Orígenes Parte de la amplia Romanticismo movimiento en Arte alemán del siglo XIX, los nazarenos eran un grupo de jóvenes idealistas alemanes Artistas románticos nacidos alrededor de la década de 1780, que fueron alumnos juntos en la Academia de Bellas Artes de Viena. Al creer que la vida real era demasiado banal para retratarla, la rechazaron a favor de los asuntos del espíritu y se centraron en Arte cristiano, en la tradición de la pintura medieval, especialmente Arte medieval alemán e italiano pintura renacentista temprana. Dirigidos por Friedrich Overbeck (1789-1869), otros miembros incluyeron a Franz Pforr (1788-1812), Wilhelm von Schadow (1788-1862), Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), Ludwig Vogel y Johann Konrad Hottinger. Más tarde se les unieron otros en Roma, como Peter von Cornelius (1783-1867), Johann Anton Ramboux (1790-1866) y Phillip Veit. El nombre "Nazarenos", acuñado por primera vez en 1817 por el pintor austríaco Joseph Anton Koch (1768-1839), un seguidor de Nicolas Poussin, se les dio por su estilo de vida devoto, su vestimenta bíblica y su cabello largo.

Arte Mosan: características, historia, artistas

26.10.2020 7 124
Para una guía general sobre el desarrollo de las artes, por favor mira: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).

Les Nabis: historia, legado, miembros

26.10.2020 3 117
Uno de varios franceses Post impresionismo grupos de arte asociados con el Ecole de Paris, Les Nabis se rebeló contra los confines del arte académico, como lo enseñó el parisino Ecole des Beaux Arts – incursionó en el misticismo y el simbolismo, y buscó una forma universal de pintura que le diera más importancia a la presentación decorativa de una pintura, prestando especial atención al uso emocional del color y la distorsión lineal. Fuertemente influenciado por el trabajo de Paul Gauguin, el grupo demostró ser un contribuyente importante para Pintura posimpresionista y al arte decorativo fin de siecle.

Minimalismo: características, historia del arte minimalista

26.10.2020 7 224
Definición y significadoSurgiendo en una forma coherente en Nueva York, durante la década de 1960, el arte minimalista , conocido popularmente como minimalismo, pero también conocido a veces como arte ABC, arte genial, arte literalista, arte objeto y arte de estructura primaria, fue un movimiento importante de arte posmodernista, específicamente un estilo de resumen pintura o escultura caracterizada por la extrema simplicidad de la forma: en efecto, un tipo de arte visual reducido a lo esencial de la abstracción geométrica. Ampliamente expuesto en el mejores galerias de arte contemporaneo en Estados Unidos, se convirtió en un estilo importante en Nueva York y fue comercializado por varios distribuidores, incluidos Leo Castelli. El término minimalismo generalmente se aplica a obras de artistas posmodernos como Carl Andre (nacido en 1935), Dan Flavin (1933-1996), Donald Judd (1928-1994), Ellsworth Kelly (nacido en 1923), Sol LeWitt (nacido en 1928), Robert Morris (nacido en 1931), Kenneth Noland (nacido en 1924), Richard Serra (nacido en 1939), Tony Smith (1912-80) y Anne Truitt (n. 1933); y a las pinturas de Robert Mangold (nacido en 1937), Brice Marden (nacido en 1938), Agnes Martin (n. 1912) y Robert Ryman (n. 1930), entre otros. Muy a menudo, un tipo austero y cerebral de Art º, El minimalismo a veces se asocia con Conceptualismo – a través del compositor de vanguardia John Cage (1912-92) – y ocasionalmente con Land art.