Arte del diseño:
historia, tipos de artes aplicadas

¿Qué es el diseño? Aunque no existe una definición universal de la palabra «diseño», para nuestros fines la definiremos como « un plan que se ocupa de crear algo de acuerdo con ciertos principios estéticos». Los aspectos clave de esta definición son: el elemento del plan; la idea de creación (arte) en lugar de producción (ciencia); los criterios de la estética (estilo de belleza). En el proceso de diseño también pueden intervenir otros factores, como la funcionalidad o el coste, pero aquí nos ocupamos principalmente del diseño artístico o -en términos generales- «cómo hacer algo bello».

¿Qué tipos de objetos pueden «diseñarse artísticamente»?

Casi todo lo que se produce puede diseñarse de forma artística o estética. Esto incluye tanto productos de ingeniería altamente especializados como artículos ordinarios producidos en serie, aunque este artículo sólo considera esta última categoría. No obstante, incluye una amplia gama de productos, desde una taza de té, una lámpara o una escalera hasta el techo de una estación de ferrocarril o de una sala de conciertos, una funda nórdica, el logotipo de una empresa o un ratón de ordenador. Obsérvese, no obstante, que el diseño artístico se limita a la decoración de objetos, no a la mejora de la funcionalidad, el rendimiento, el coste u otros criterios no estéticos.

Las disciplinas del diseño artístico

La ciencia del diseño en general se ha desarrollado rápidamente desde los años sesenta. Hoy en día hay un número creciente de disciplinas del diseño en las que la estética desempeña un papel importante: arquitectura, ilustración de libros, diseño de interiores, diseño de iluminación, diseño de muebles, diseño de utensilios de cocina, diseño textil, diseño de moda, diseño comercial, diseño gráfico, diseño informático y diseño web. Además, en una serie de campos relacionados con las TI, como el diseño web, las interfaces de usuario y el desarrollo de software, el concepto de «look and feel» es cada vez más importante para los consumidores y los diseñadores, y el diseño gráfico y de maquetación también desempeñan un papel importante en el ámbito de los productos en línea.

¿Qué formas artísticas intervienen en el diseño artístico?

Entre las habilidades artísticas que resultan valiosas a la hora de crear bellos diseños para artículos individuales se incluyen: pintura (por ejemplo, porcelana, ilustración de libros), talla en madera (muebles), tejido (tapices, bordados), cerámica (escultura, así como cerámica antigua), metalistería (lámparas, joyas), arte en vidrio (mosaicos, vidrieras), gráficos (grabado, ilustración, telas, ropa), por nombrar algunos.

En el caso de los bienes producidos en serie, el diseño forma parte integral del proceso de desarrollo del producto. Mientras que en los años setenta y ochenta el diseño de automóviles, electrodomésticos y tejidos representaba la cima de la innovación, hoy en día es el diseño informático el referente de la estética del consumidor del siglo XXI. Además, casi todos los artículos del hogar se diseñan y fabrican teniendo en cuenta la estética, al igual que los automóviles, los equipos de oficina y los artículos deportivos.

El papel del diseño comercial

En los primeros tiempos de la producción en serie, cuando se podía comprar «un coche Ford de cualquier color siempre que fuera negro», el diseño se consideraba un extra opcional. Ahora ya no. Hoy, los diseñadores son personas importantes. Armados con multitud de programas de diseño digital, pueden marcar la diferencia en el éxito comercial de un producto. (Véase también: Arte por ordenador) Además, el diseño creativo desempeña un papel importante en todo el proceso de fabricación, comercialización, venta y venta al por menor de un producto. ¿Y por qué no? ¿No queremos todos tener o rodearnos de cosas bonitas?

Producción

Dado que las propiedades y características de diseño de un producto desempeñan un papel tan importante en su éxito comercial, los diseñadores suelen participar en las primeras fases del proceso de producción. Por decirlo de forma muy cruda, vemos al menos tres fases de producción.

En los primeros tiempos de la producción en serie, el personal científico de una empresa fabricaba un producto que luego pasaba al departamento de marketing para su venta. En los años sesenta, eran los responsables de marketing los que decían a los científicos lo que tenían que producir. Pero hoy en día, son los responsables de marketing y los diseñadores quienes discuten las especificaciones técnicas de un producto antes de implicar al personal de producción.

Diseño gráfico: marketing, publicidad, marca

Las habilidades de los diseñadores gráficos aparecen casi en todas partes: en los créditos iniciales y finales de las películas, la animación, los programas de televisión y los anuncios de productos, los sitios web corporativos, los diseños de pantallas de ordenadores y móviles, los periódicos, las revistas, los anuncios, los carteles, los motivos y logotipos de empresas, los envases de productos, las señales de tráfico, etc. Incluye esquemas de color, tipografía, artes visuales y técnicas de diseño de páginas/pantallas, así como materiales de embalaje. De hecho, el diseño gráfico desempeña un papel crucial allí donde se utilizan imágenes, símbolos o texto para transmitir un mensaje visual: desde las pantallas de alta tecnología de las cabinas de los aviones militares o comerciales hasta los anuncios de televisión, folletos de viajes, catálogos comerciales y envases de productos de supermercado.

Venta al por menor

No sólo los propios productos son objeto de una intensa labor de investigación, reflexión, modelización, personalización interactiva y rediseño, sino que el propio entorno minorista en el que se presentan a los consumidores es objeto de un intenso escrutinio. El diseño minorista (diseño de tiendas) desempeña un papel fundamental a la hora de determinar cómo se sienten los consumidores cuando se encuentran con los productos e interactúan con ellos y, por tanto, en el éxito final de esos productos.

Diseño de interiores

Uno de los principales factores del diseño comercial es la distribución de la tienda. Ésta, a su vez, depende en gran medida del diseño interior del edificio, que a su vez incluye el uso de combinaciones de colores y música de fondo cuidadosamente seleccionadas, sistemas de iluminación y suelos especialmente diseñados, y añadidos como entradas, pasillos, etc. especialmente diseñados.

Diseño arquitectónico

Por supuesto, el diseño de interiores va de la mano de la arquitectura, incluido el diseño paisajístico. Mientras que los minoristas de las grandes superficies o sus propietarios suelen aprovechar al máximo las oportunidades arquitectónicas de sus inmuebles, los grandes minoristas de las afueras, cuyas tiendas pueden ocupar 500.000 m² o más, aprovechan al máximo sus oportunidades.

El diseño estético de edificios, aparcamientos, entradas y salidas crea una experiencia de compra favorable, que puede desempeñar un papel crucial en el éxito de un establecimiento comercial. Véase también la Escuela de Arquitectura de Chicago (c. 1880-1910), que ejerció una gran influencia en el diseño urbano de Estados Unidos, y la Segunda Escuela de Arquitectura de Chicago (c. 1940-75), dirigida por Mies van der Rohe . La principal empresa de diseño arquitectónico del mundo es Skidmore, Owings & Merrill, cuyos arquitectos -como Fazlur Khan (1929-1982)- siguen dominando el mercado mundial de rascacielos. Históricamente, la mayor influencia en el diseño de edificios ha sido la arquitectura griega, seguida de la arquitectura romana y numerosas escuelas de neoclasicismo.

Historia del diseño artístico

El diseño artístico en la era del arte moderno (a partir de 1850) se desarrolló en consonancia con la Revolución Industrial, aunque los movimientos de diseño con influencia internacional fueron pocos y pequeños. Repasamos brevemente ocho movimientos importantes: el Interiorismo francés (1640-1792); el Movimiento de Artes y Oficios (c. 1862-1914); el Art Nouveau (c. 1890-1914); la Bauhaus (1919-33); De Stijl (1917-31); el Art Déco (c. 1925-40); la Escuela de Ulm (HfG Ulm) (1953-1968); y el Postmodernismo (después de 1970).

Luis XIV, XV, XVI Estilos de interiorismo francés (1640-1792)

Posiblemente la mayor época del diseño de interiores en la historia del arte, los siglos XVII y XVIII en Francia fueron testigos de una explosión de artes decorativas francesas en el Palacio de Versalles y otros castillos reales. Bajo la dirección de diseñadores franceses como Charles Lebrun, André Le Nôtre y otros, se crearon algunos de los mejores muebles franceses, normalmente clasificados en estilos Louis (Louis Quatorze, Regency, Louis Quinze y Louis Seize).

Movimiento Arts and Crafts (c. 1862-1914)

Este movimiento británico de diseño y artes decorativas, liderado por William Morris (1834-1896), promovió el renacimiento de la artesanía y las virtudes morales, sociales y estéticas del trabajo artesanal honesto frente a la producción industrial en masa. Se dedicó principalmente a la arquitectura y a las artes decorativas , incluidas las vidrieras , los tejidos, los muebles, las telas estampadas (chintzes), los tapices , el papel pintado, los muebles, la joyería , la escultura en madera, la metalistería , la cerámica y el arte del mosaico . Se inspiraba en la artesanía medieval, el arte popular rural y el arte japonés (incluidas las xilografías Ukiyo-e ), aunque sus promotores no estaban unidos por un estilo concreto, sino más bien el objetivo común de revivir la artesanía honesta, eliminar los prejuicios de la jerarquía artística (que honraba las bellas artes pero descuidaba las artes aplicadas), y crear un arte accesible a todos.

El movimiento engendró grupos afines en América e influyó fuertemente en la Central Obrera de Viena - talleres artesanales fundados por la Secesión de Viena en 1903, la Secesión de Múnich (1892), la Secesión de Berlín (1898), y la Deutsche Werkbund, en Alemania. Para más información, véase: Movimiento Artístico y Artesanal .

Art Nouveau (c. 1890-1914)

El lenguaje altamente decorativo conocido como Art Nouveau, fue el primer gran estilo de diseño internacional que proclamó la idea de que el arte debía formar parte de la vida cotidiana. En adelante, insistía, ningún objeto cotidiano, por funcional que fuera, debía ser ignorado como fuente de valor estético. También promovió la idea de unificar todo el diseño en un único lenguaje.

Caracterizado por formas curvilíneas y patrones derivados de estructuras orgánicas, de ornamentos celtas, y de formas geométricas sencillas, el estilo se aplicó a la arquitectura, el diseño de interiores, la cristalería, la joyería, carteles, e ilustraciones, (cf. Aubert y Aubert), especialmente Aubrey Beardsley), y en pintura y escultura. El estilo Art Nouveau fue impulsado por el movimiento «Celtic Art Revival» y la Exposición Universal de 1900 en París, tras la cual se extendió por toda Europa y más allá hasta América y Australia. Este estilo, claramente moderno, recibió diversos nombres en distintos países: Jugendstil en Alemania; Secessionstil en Austria; Modernismo en Cataluña; Palingsteel o de Wingt en Bélgica; Liberty en Italia; Modern en Rusia y Tiffany en América. Su incursión en el arte abstracto fue continuada por artistas y arquitectos del siglo XX como Hector Guimard (1867-1942). En los años veinte, este movimiento dio paso al Art Déco.

Diseños gráficos famosos del Art Nouveau

Para más información sobre los famosos diseños gráficos de carteles de este movimiento, posibles gracias al proceso litográfico «de tres piedras», inventado por Jules Chéret (1836-1932) y perfeccionado por Alphonse Mucha (1860-1939) y Leonetto Capiello (1875-1942), véase: Historia del cartelismo .

El ballet ruso de Diaghilev «»

En 1909 Sergei Diaghilev arrasó en París al inaugurar la primera temporada de su compañía itinerante de ballet «Ballet Ruso» . Aparte de los bailes de Nijinsky y Pavlova, el éxito de la compañía se debió al suntuoso diseño de los exóticos decorados y vestuarios, supervisados por Leon Bakst (1866-1924) y Alexandre Benois (1870-1960).

Escuela de Diseño Bauhaus (1919-33)

Con gran influencia en la escuela alemana de arquitectura del siglo XX y otras formas de diseño, incluida la artesanía, la Bauhaus (en alemán «casa de la construcción») fue fundada en Weimar por Walter Gropius (1883-1969). Conocido por su moderno enfoque de la educación artística, que eliminaba la división habitual entre «bellas» y «artes aplicadas» y redefinía la relación entre el diseño y los métodos de producción industrial, esperaba crear productos que fueran a la vez artísticos y comerciales.

En concreto, la escuela pretendía enseñar a los estudiantes a ser igualmente expertos en diseño, artesanía y métodos de producción en masa. La Escuela de Diseño de la Bauhaus existió hasta 1933 en tres sedes -Weimar, Dessau y Berlín- y bajo tres directores -Gropius 1919-1927, Hannes Meyer 1927-1930 y Ludwig Mies van der Rohe 1930-1933- hasta que el gobierno nazi forzó su cierre.

Influenciada por la sencillez y funcionalidad del estilo Biedermeier del siglo XIX, la Bauhaus ejerció una amplia influencia en el diseño artístico, sobre todo en los campos de la arquitectura, el diseño gráfico, el interiorismo, el diseño industrial y la artesanía.

Tras el cierre de la Bauhaus, muchos de sus profesores viajaron por todo el mundo: László Moholy-Nagy (1895-1946), por ejemplo, abrió la Nueva Bauhaus y después su propio Instituto de Diseño en Chicago; Josef Albers (1888-1976) dio clases en el Black Mountain College of Advanced Arts de Carolina del Norte; Max Bill (1908-1994) enseñó en la Escuela de Artes Aplicadas de Zúrich y más tarde fue el primer director de la Escuela Superior de Diseño de Ulm (para arquitectura y diseño industrial), considerada la sucesora de la Bauhaus. Mies van der Rohe se fue a Chicago, donde influyó en una generación de arquitectos estadounidenses con su arquitectura modernista de rascacielos . Gropius también emigró a Estados Unidos, donde dirigió el departamento de arquitectura de la Universidad de Harvard y fundó The Architects Collaborative en 1952.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (palabra neerlandesa «estilo») fue una vaga alianza de arquitectos, artistas y diseñadores -muchos de los cuales procedían del calvinismo neerlandés- que se unieron en torno al artista y arquitecto Theo van Doesburg (1883-1931) entre 1917 y 1931.

Los principios estéticos del grupo se publicaron (noviembre de 1918) en la revista De Stijl, que sirvió para difundir sus ideas de arte concreto y diseño. Creyendo que la guerra había socavado todos los valores tradicionales, De Stijl abogaba por un tipo de diseño artístico más puro y ético que se redujera a los elementos básicos -forma, color y línea- y que pudiera influir en toda la cultura y conducir a una renovación de la sociedad.

Influido por el constructivismo soviético de Vladimir Tatlin (1885-1953), el grupo se asoció tanto con el neoplasticismo (Mondrian) como con su forma reelaborada elementarismo (Van Doesburg). Los principales miembros del grupo fueron Van Doesburg, Piet Mondrian (1872-1944), Bart van der Lek (1876-1958), Georges Vantongerloo (1886-1965) y Friedrich Vordemberg-Gildewart (1899-1962), así como los arquitectos Gerrit Rietveld (1888-1964) y Oud (1890-1963). Además, los arquitectos del De Stijl se inspiraron en los diseños de edificios del diseñador holandés Hendrik Petrus Berlage (1856-1934) y Frank Lloyd Wright (1867-1959), cuya idea de que una casa es producto de «(1867-1959), que una casa es el producto de «diseño completo» ) gesamtkunstwerk) estaba cerca de sus propias ideas, ejemplificadas por la casa Rietveld Schroder en Utrecht.

En general, De Stijl influyó más en el diseño arquitectónico y las artes aplicadas, sobre todo en la tipografía y el diseño de muebles. Aunque en decadencia a la muerte de Dosburg, De Stijl fue una influencia importante en el diseño de la Bauhaus y otros movimientos relacionados con el arte sin objeto, como la Creatividad Abstracta y el CIAM, así como en otros modernistas como Le Corbusier (1887-1965), un influyente arquitecto suizo-francés.

Art Déco (c. 1925-40)

Estilo Art Déco fue la principal moda en diseño y decoración de las décadas de 1920 y 1930: véase en particular Arquitectura estadounidense de la época, en particular los rascacielos de Nueva York. A través de formas geométricas fluidas, representó paisajes urbanos y una nueva gama de actividades sociales y de ocio «Roaring 20s» ; dio a los objetos ordinarios un carácter real haciéndolos parecer elegantes y frescos.

El Art Déco tenía una deuda notable con varios estilos artísticos importantes de las décadas de 1900 y 1910, tomando prestados colores atrevidos del Fauvismo, patrones geométricos del Cubismo, formas maquinales del Constructivismo y Futurismo, y un enfoque unificador del Art Nouveau.

El Art Déco también se inspiró en el arte de los aztecas, los egipcios y la antigüedad clásica. Sin embargo, a diferencia de su predecesor, el Art Nouveau, el Art Déco no tenía pretensiones filosóficas, sino puramente decorativas. Aunque describe principalmente el estilo de los diseñadores de interiores y gráficos, sobre todo en los campos del mobiliario, la metalistería, la cerámica, la cristalería y la encuadernación, también se aplicó a la arquitectura, el diseño de moda, la escultura y la pintura: por ejemplo, Tamara Lempicka (1898-1980), y las obras en estilo clásico (1918-24) de Picasso (1881-1973).

El lenguaje dio lugar a movimientos como Novecento Italiano y Corrente (Italia), y Precisionismo (América). El renacimiento del Art Déco se produjo en la década de 1960, cuando apareció el nombre por primera vez.

Escuela de Diseño de Ulm (Hochschule fur Gestaltung) (1953-1968)

Fundada en 1953 por Max Bill (1908-1994), Inge Eicher-Scholl y Otl Eicher, la Escuela de Diseño de Ulm alcanzó rápidamente reconocimiento internacional y fue considerada la sucesora natural de la Bauhaus. Durante sus 15 años de existencia, destacó en el estudio de la semiótica (signos y símbolos), el diseño de productos, la construcción industrial y el cine. En el proceso, fue pionera en la enseñanza del diseño basada en un enfoque estructurado de la resolución de problemas y la combinación de ciencia y arte.

Comenzó en el Volkssturm (instituto de educación de adultos) de Ulm, cuyo personal docente incluía a los antiguos profesores de la Bauhaus Josef Albers, Johannes Itten y Walter Peterhans, así como a la licenciada de la Bauhaus Helene Nonne-Schmidt, a la que más tarde se unieron Hans Gugelot, Walter Zeischegg, Otl Eicher, Friedrich Vordemberg-Gildewart y Thomas Maldonado. Entre los conferenciantes invitados se encontraban Mies van der Rohe, Walter Gropius, Ray Eames, Josef Müller-Brockmann, Herbert Bayer, Reiner Banham, Hugo Haring, Conrad Wachsmann, Buckminister Fuller, Theodor Heuss, Norbert Weiner y Mia Seeger.

En 1957, Max Bill abandonó Ulm cuando se decidió que las consideraciones estéticas ya no eran la principal base conceptual del diseño. Bajo la dirección de Thomas Maldonado, la escuela de diseño abandonó su anterior enfoque en «el artista» en favor de una nueva filosofía del diseño que incorporaba tanto el arte (estética) como la ciencia (materiales, producción y criterios de uso del producto). Al mismo tiempo, la escuela creó una serie de grupos de diseño para establecer contactos con la industria. El resultado fueron varias colaboraciones exitosas con empresas como Braun, Lufthansa y la Compañía de Ferrocarriles de Hamburgo. Con el tiempo, sin embargo, los constantes desacuerdos entre el personal docente de la escuela, la jerarquía administrativa y los patrocinadores gubernamentales provocaron su cierre.

Postmodernismo (después de 1970)

Al igual que el arte posmoderno, el diseño posmoderno se caracteriza por: mezcla deliberada de diferentes estilos, a menudo con humor, superficialidad egocéntrica, aumento de la decoración y referencias culturales o simbólicas contemporáneas.

Los diseños arquitectónicos posmodernos fueron una revuelta contra el superfuncionalismo de la arquitectura de posguerra, por lo que vemos la aparición de estructuras extrañas, no funcionales pero muy decoradas, como el Centro Pompidou de París. Véase también el Museo Guggenheim de Bilbao , diseñado por Frank O. Gehry (nacido en 1929) y revestido de titanio, y el estilo de los años 90 de Blobs o Blobitecture, ejemplificado en la estación de autobuses del Hospital Spaarn de Hoofddorp (Países Bajos).

Por regla general, los proyectos artísticos de los artistas posmodernistas se caracterizan por la falta de uniformidad (más fragmentación, mayor pluralismo) y el uso innovador de imágenes populares, materiales y colores inusuales. (Para más información sobre el posmodernismo, véase: Arte contemporáneo .)