История искусства (Encyclopedia)
Expresionismo abstracto: historia, características
25/10/2020 19 903
Introducción
"Expresionismo abstracto" es un término vago que se refiere a un movimiento general de pintura en gran parte no representativa, que floreció en los Estados Unidos durante las décadas de 1940 y 1950. Encabezado por una generación de artistas estadounidenses, fuertemente influenciados por expatriados europeos, que habían crecido durante la Depresión y fueron influenciados tanto por la Segunda Guerra Mundial como por las secuelas de la Guerra Fría, pintura expresionista abstracta no era del todo resumen ni expresionista y abarcó varios estilos muy diferentes. Aun así, los diversos exponentes del expresionismo abstracto tenían varios objetivos en común, entre ellos el deseo de redefinir la naturaleza de la pintura y, en el proceso, crear un nuevo tipo de arte.
Pintores abstractos: Top 100 artistas: abstracción en la pintura
25/10/2020 14 259
Abstracción en la pintura: definición
Arte abstracto es un término general para el arte que no es representativo, aunque puede derivarse de la realidad. Así, la abstracción incluye 3 categorías básicas: (1) formas geométricas no naturalistas; (2) formas derivadas de la naturaleza pero no reconocibles como tales; (3) obras representativas muy disfrazadas, pero no figurativas. Los sinónimos de abstracción incluyen: "arte no figurativo", " arte concreto ", " arte no representativo "o" arte no objetivo ", pero ninguno ha sido generalmente aceptado.
Arte académico: características, historia: academias de bellas artes
25/10/2020 22 867
¿Qué es el arte académico?
En arte fino, el término "arte académico" (a veces también "academismo" o "eclecticismo") se usa tradicionalmente para describir el estilo de la vida real pero de mente elevada pintura realista y escultura defendido por las academias europeas de arte, en particular el Academia Francesa de Bellas Artes. Este estilo de arte "oficial" o "aprobado", que luego se asoció estrechamente con Pintura neoclásica y en menor medida la Simbolismo movimiento, se materializó en una serie de convenciones pictóricas y escultóricas a seguir por todos los artistas. En particular, había un fuerte énfasis en el elemento intelectual, combinado con un conjunto fijo de estética. Sobre todo, las pinturas deben contener un mensaje de mentalidad adecuada. Los artistas cuyas obras han llegado a tipificar los ideales del arte académico incluyen a Peter-Paul Rubens (1577-1640), Nicolas Poussin (1594-1665), Jacques-Louis David (1748-1825) Jean-Antoine Gros (1771-1835), JAD Ingres (1780-1867) Paul Delaroche (1797-1856), Ernest Meissonier (1815-91), Jean-Leon Gerome (1824-1904), Alexandre Cabanel (1823-89), Pierre Puvis de Chavannes (1824-98), Thomas Couture (1815-79) y William-Adolphe Bouguereau (1825-1905).
Arte estadounidense: historia de las bellas artes en América
25/10/2020 29 527
Arte americano (c.1750-2000)
Esta es una guía breve de 20 pasos de la historia del arte estadounidense, que incluye pintura, escultura, arquitectura y formas de arte contemporáneo, desde la época colonial. Para la cultura temprana en las Américas, ver: Arte precolombino (1200 BCE-1535 CE). Para la cultura nativa americana posterior, ver: Arte indio americano (1000 a. C.-1900).
Pintura paisajística inglesa, siglo XVIII / XIX: historia, desarrollo, estilos, artistas: JMW Turner, John Constable
25/10/2020 39 181
Orígenes de la escuela de inglés
La actitud moderna hacia la naturaleza es tan diferente de la del siglo XVIII que no nos resulta fácil comprender los prejuicios contra los que tuvieron que luchar los primeros pintores paisajistas ingleses. A principios de siglo, la idea misma de que el género de puro paisaje podría ser un tema adecuado para el arte tenía poco más de cien años, y la idea aún persistía entre las personas de ’gusto’ que un pintura de paisaje debe ser dignificado por alguna figura ostensible.
Pintura figurativa inglesa, siglos XVIII / XIX
25/10/2020 36 327
Maestros retratistas del siglo XVIII
A raíz de eminentes miniaturistas ingleses como Nicholas Hilliard (1547-1619), Isaac Oliver (1568-1617) y Samuel Cooper (1609-1672), el innovador William Hogarth (1697-1764), el retratista del ’gran estilo’ Joshua Reynolds (1723-92) y el singular Thomas Gainsborough (1727-88) son los tres artistas que resumen lo mejor de dibujar figuras y pintura de figuras en la Inglaterra del siglo XVIII y eclipsan al resto de sus contemporáneos. [Nota: el retratista escocés Allan Ramsay (1713-84) – retratista oficial del rey Jorge III – está excluido de esta comparación.]
Arte Povera: definición, características
25/10/2020 6 150
Definición y características
En su sentido general, ’Arte Povera’ (un término italiano que significa arte pobre / empobrecido, supuestamente derivado del ’ teatro pobre’ del director de cine polaco Jerzy Grotowski) describe un tipo de arte de vanguardia Hecho de " objetos encontrados "incluyendo materiales sin valor, como tierra, trozos de madera, trapos, trozos de periódico. Más específicamente, se refiere a un grupo de pintores y escultores de vanguardia con sede en Turín, Milán, Génova y Roma desde mediados de la década de 1960 en adelante que produjeron una fusión provocativa de Arte conceptual, Ensamblaje, Minimalismo y Arte de performance. El grupo fue promovido y publicitado por el concesionario de Turín Enzo Speroney, en particular, por el crítico de arte y curador Germano Celant (nacido en 1940). Este último acuñó el nombre de ’Arte Povera’ y comisarió la primera exposición del movimiento en 1967, en Génova. Más tarde, ese mismo año, publicó un manifiesto para el movimiento en Flash Art. Estos y otros textos y programas pioneros, más su influyente libro de 1969, crearon una identidad colectiva para Arte Povera, que se promovió como un género revolucionario, liberado de la convención y el mercado. Otros nombres para Arte Povera son " Arte real", " Arte materialista en bruto" y " Anti-Forma". Los principales miembros del grupo incluyeron: Mario Merz (1925-2003), Pino Pascali (1935-68), Michelangelo Pistoletto (n. 1933), Jannis Kounellis (n. 1936), Luciano Fabro (n. 1936), Gilberto Zorio (1944) y Giuseppe Penone (1947). Ver también: Los mejores artistas contemporáneos.
Hermandad prerrafaelita: historia, filosofía de los prerrafaelitas
26/10/2020 23 347
El movimiento prerrafaelitaUn estilo importante e influyente de Arte victoriano El prerrafaelitismo surgió de un nuevo temperamento en la pintura inglesa, reflejando los grandes cambios morales y materiales de la época que marcan los años intermedios del siglo XIX. Hasta ahora, la mayoría de los artistas más importantes del siglo habían crecido en la atmósfera de pintura y composición académica del siglo XVIII, y su trabajo fue el resultado del impulso que William Hogarth (1697-1764), Joshua Reynolds (1723-92) Thomas Gainsborough (1727-88), y los dibujantes topográficos habían dado a la pintura inglesa. Incluso Tornero (1775-1851) y Alguacil (1776-1837), a pesar de sus grandes innovaciones en perspectiva y técnica, se parecían más al espíritu de Wilson y Gainsborough que a sus sucesores victorianos.
Pintura veneciana: historia, características
27/10/2020 28 456
Disegno Versus Colorito
Mientras que la Renacimiento en Florencia se estaba agotando por el esplendor de su propio logro, los artistas en Venecia estaban explorando un conjunto diferente de posibilidades pictóricas. La diferencia entre estas dos grandes escuelas del Renacimiento italiano se puede resumir de la siguiente manera: a un florentino de 1480 a pintura estaba compuesto de forma / diseño más color; mientras que para un veneciano de 1520 era forma / diseño fusionado con color. En Florencia, color ( colorito ) , por armonioso que fuera, era una cualidad que debía añadirse al diseño ( disegno ) En Venecia era inseparable del diseño. Para un florentino era un atributo del objeto al que pertenecía: un vestido rojo o un árbol verde eran parches de rojo y verde confinados dentro de los límites de esos objetos. Mientras tanto, los venecianos pensaban que el color era una cualidad sin la cual difícilmente podría decirse que el vestido o el árbol existieran. Permeó todo y fluyó a través de los contornos como la luz. La unidad estructural de la pintura florentina dio lugar a la unidad cromática del veneciano. En Venecia color le dio vida al lienzo y la habilidad de un artista para mezclar y usar pigmentos de color Fue crítico. La importancia que los venecianos le dieron al color explica en parte por qué adoptaron pintura al óleo con más entusiasmo que sus contrapartes en Florencia, ya que la pintura al óleo le dio a los artistas mayor profundidad y luminosidad de color que pintura al temple. Para el impacto de los pintores de Venecia en el arte europeo, ver: Legado de la pintura veneciana (después de 1600).
Retrato veneciano pintura
27/10/2020 15 067
Introducción
Arte retrato desarrollado en una fecha temprana en Venecia. Poco después de 1339, Paolo Veneziano pintó el retrato del difunto dux Francesco Dandolo junto con su esposa, que todavía estaba viva, sobre la tumba de Dandolo en la Sala del Capitolo del Frari. Las figuras están en la misma escala que sus santos patrones (una característica muy inusual para el período) y las caras parecen ser retratos auténticos, incluso si el estilo sigue las convenciones de Arte bizantino.
Retablos venecianos: renacimiento, períodos de manierismo
27/10/2020 13 565
Introducción
En este artículo examinamos el desarrollo de Venetian arte de retablo durante el siglo XVI, principalmente con retablos, retablos y trípticos, y muestran cómo esta tradición fue modificada por los principales artistas de la época. Por varias razones, esta no es una tarea fácil. En primer lugar, el período en cuestión, que abarca el final del período Renacimiento temprano (c.1400-90), el Alto renacimiento (c.1490-1530), Manierismo (c.1530-99) y los inicios de la Barroco (1600-1700), estuvo marcado por cambios radicales en la teoría artística, principios de composición y formas de expresión. En segundo lugar, dentro de la órbita de Pintura veneciana existían escuelas locales con sus propias tradiciones y estándares de Arte bíblico; y había una discrepancia especialmente marcada en la calidad entre los productos de Venecia y los de los centros provinciales del continente. Finalmente, a menudo es difícil acomodar las contribuciones muy originales e idiosincráticas de los más grandes Viejos maestros dentro de un esquema rígido de desarrollo. Sin embargo, es posible discernir algún tipo de patrón de Arte cristiano, cuyos orígenes se remontan al último cuarto del siglo XV. En ese momento surgió una fórmula distintiva para los retablos venecianos, que fue alterada y refinada en el siglo XVI. Nota: los retablos generalmente vienen en los siguientes formatos básicos: díptico (2 paneles), tríptico (3 paneles) o políptico (paneles múltiples).
Secesión de Viena: historia, características
27/10/2020 8 373
Secesión de Viena: historia, características
En arte Moderno, la frase "Secesión de Viena" ( Wiener Sezession) se refiere a las acciones de progresivo artistas modernos en Viena, que se separó de la conservadora Academia de Artes de la ciudad, cuyo salón anual y escuelas de arte permaneció casado con un estilo antiguo de arte académico. La tendencia secesionista apareció en varias ciudades de Europa, comenzando en Munich en 1892, donde la recién formada Secesión, dirigida por Franz von Stuck, pronto eclipsó a la organización artística oficial. La Secesión vienesa, formada en 1897 bajo Gustav Klimt (1862-1918), fue la escapada más influyente y publicó su propio periódico Ver Sacrum (Sacred Spring) para promover sus ideas. También construyó un espectacular nuevo edificio de la sede ( Haus der Wiener Sezession) , diseñado por el arquitecto Joseph Maria Olbrich (1867-1908). No hubo características unificadoras del secesionista vienés pintura o escultura, o incluso arquitectura : en cambio, sus miembros estaban comprometidos con el ideal de modernizar el arte austriaco al familiarizarlo con lo último movimientos de arte moderno, incluidas las últimas tendencias en Post impresionismo y Expresionismo, así como los estilos de moda del arte decorativo, como Art Nouveau. Sin embargo, fueron las pinturas de Klimt las que causaron la mayor controversia. Sus imágenes Filosofía y medicina (ambas de 1900), encargadas para la Universidad, se consideraron demasiado explícitamente físicas, al igual que su Friso de Beethoven (1902) y El beso (1907-8), cuyo lienzo brillante se benefició en gran medida del amplio conocimiento de Klimt sobre arte aplicado.
Palacio de Versalles: historia, arquitectura, diseño de interiores
27/10/2020 18 650
Introducción
El Palacio de Versalles (construido c.1624-98), un magnífico ejemplo de francés Arquitectura barroca, es el castillo real más famoso de Francia. La escala gigantesca de Versalles ejemplifica el tema arquitectónico de ’creación por división’, una serie de repeticiones simples marcadas rítmicamente por la repetición de los grandes ventanales, que expresa los valores fundamentales de Arte barroco y en el que el punto focal del interior, así como de todo el edificio, es la cama del rey. Entre sus famosos diseños arquitectónicos se encuentra el Salón de los Espejos ( Galerie des Glaces) , que es una de las salas más famosas del mundo. Ubicado a unos 20 kilómetros al suroeste de París, y ubicado en medio de extensos terrenos, el palacio y su decoración estimularon un mini renacimiento del interior. diseño, tanto como arte decorativa, durante los siglos XVII y XVIII. En efecto, Arte decorativo francés durante el período 1640-1792 – notablemente Muebles franceses – es sinónimo de los reyes franceses Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) y Louis Seize (XVI), de quien recibe su nombre. Los muchos diseñadores y artesanos franceses que contribuyeron a Versalles arquitectura, mobiliario y objetos de arte, incluidos Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart, Andre le Notre, Charles Le Brun, Jean Berain the Elder, Andre-Charles Boulle, Charles Cressent, Jean-Baptiste Oudry, Francois Lemoyne y Juste-Aurele Meissonnier, entre otros. Desde 1682 hasta el comienzo de la Revolución Francesa en 1789, el Palacio de Versalles albergó al Rey y a toda la corte real francesa, un total de unos 3.000 residentes, convirtiéndolo en un símbolo del absolutismo y la decadencia del Antiguo Régimen en general, y La monarquía francesa en particular. El castillo real en sí no es el único complejo de edificios en los terrenos, que también incluye cinco capillas, además del Grand Trianon (1687-88), el Pabellón de Francia (1749) y el Petit Trianon (1762-8), así como 800 hectáreas de jardines, ajardinados en el estilo clásico del jardín francés.
Arte bizantino: características, historia
25/10/2020 16 808
Centros de estilo bizantinoarte cristiano primitivo fueronRávena, Kiev, Novgorody Moscú Por favor mira:Arte bizantino cristiano.
Arte victoriano en Gran Bretaña: historia, características
27/10/2020 19 580
Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura yotras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Arte renacentista alemán: historia, características
17/04/2022 46 110
Para ver cómo la pintura y la escultura del Renacimiento en Alemania se ajusta a la cronología de la cultura europea en su conjunto, vea: Historia de la línea de tiempo del arte.
Vorticismo: definición, características
27/10/2020 6 514
Definición / Características
Una mezcla única de Cubismo y Futurismo, El vorticismo fue un importante británico arte de vanguardia movimiento de principios del siglo XX, aunque duró oficialmente no más de dos años. La figura central del movimiento fue el pintor, escritor y polemista inglés. Percy Wyndham Lewis (1882-1957), mientras que el poeta estadounidense Ezra Pound acuñó el nombre, refiriéndose al vórtice emocional que se consideraba la fuente necesaria de la creación artística. Estos dos, junto con miembros del Centro de Arte Rebelde fundaron Vorticism en 1914. La revista " Blast ", publicada solo dos veces (en 1914 y 1915) proclamó el Manifiesto Vorticista y proporcionó publicidad para el movimiento. Dos exposiciones en Londres de arte futurista fueron catalizadores importantes para el lanzamiento del movimiento, mientras que el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 condujo a su desaparición prematura. Como resultado, solo se realizó una exposición vorticista. El movimiento se disolvió efectivamente en 1915 debido al impacto de la guerra y la pérdida de apoyo financiero de su patrocinador, la artista Kate Lechmere (1887-1976). La filosofía vorticista revivió brevemente en 1920 con la formación de Lewis del Grupo X.
Estilo de pintura del realismo holandés
01/11/2019 6 828
Para una guía sobre la evolución de la pintura, la escultura, la arquitectura.y otras formas de arte, ver: Historia del Arte (800 BCE-presente).
Arquitectura gótica: características, historia
25/10/2020 11 965
TerminologíaPara una guía, ver:Glosario de arquitectura.
Arte gótico: características, historia
25/10/2020 15 731
Resumen – Características
El termino " estilo gótico"se refiere al estilo de la arquitectura europea, la escultura (y las artes menores) que vinculaban la época medieval Arte románico con el Renacimiento temprano. El período se divide en gótico temprano (1150-1250), gótico alto (1250-1375) y gótico internacional (1375-1450). Principalmente una forma pública de Arte cristiano, floreció inicialmente en la Isla de Francia y la región circundante en el período 1150-1250, y luego se extendió por todo el norte de Europa.
Movimiento expresionista: historia, características
25/10/2020 39 130
Introducción
Expresionismociertamente no era una escuela, en el sentido de que no se trataba de que varios artistas formaran un grupo sobre la base de un programa específico y se dedicaran a las mismas técnicas. Más bien, el expresionismo representa un estado mental que, en el campo intelectual, ha afectado no solo a la poesía y la pintura, sino también a la prosa, la arquitectura, el teatro, la música, la ciencia, la universidad y las reformas escolares.
De Stijl: Grupo de arte abstracto holandés: características, historia, manifiesto
19/03/2019 5 268
De Stijl (es decir, el estilo) fue una organización informal de pintores, arquitectos y escultores holandeses, así como la revista en la que el grupo utilizó para propagar sus ideas. arte abstracto y diseño. De Stijl fue fundado y dominado por Theo van Doesburg (1883-1931); sus principales miembros incluidos Piet Mondrian (1872-1944), el pintor y diseñador de Utrecht Bart van der Leck (1876-1958), el escultor de Amberes Georges Vantongerloo (1886-1965) y el pintor alemán Friedrich Vordemberge-Gildewart (1899-1962), así como los arquitectos Gerrit Rietveld (1888-1964) y JJP Oud (1890-1963). Para empezar, De Stijl promovió el concepto artístico de Mondrian de Neoplasticismo , pero desde 1921 en adelante, Van Doesburg también promovió las ideas de Dada y una forma revisada de neoplasticismo conocida como Elementarismo . Esto condujo a la salida de Mondrian del grupo. Uno de los más influyentes de la vanguardia. movimientos de arte moderno, De Stijl tuvo su mayor impacto en el diseño arquitectónico – ver por ejemplo Le Corbusier (1887-1965) y Mies van de Rohe (1883-1969) – y las artes aplicadas, especialmente la tipografía y el diseño de muebles.
Diseño Art Nouveau: características, historia, artistas
25/10/2020 16 721
Introducción
Art Nouveau fue un innovador estilo internacional de arte Moderno que se puso de moda desde aproximadamente 1890 hasta la Primera Guerra Mundial. Surgiendo como reacción a los diseños del siglo XIX dominados por el historicismo en general y el neoclasicismo en particular, promulgó la idea de Art º y diseño como parte de la vida cotidiana En adelante, los artistas no deben pasar por alto ningún objeto cotidiano, sin importar cuán funcional pueda ser. Esta estética se consideraba bastante revolucionaria y nueva, de ahí su nombre, New Art, o Art Nouveau. De ahí también el hecho de que se aplicó a una gran cantidad de formas diferentes, incluida la arquitectura, arte fino, arte aplicado y arte decorativa. Arraigado en parte en la Revolución Industrial, y las Artes y Artesanía Movimiento, pero también influenciado por Japonismo (especialmente Impresiones Ukiyo-e por artistas como Hokusai y su contemporáneo más joven Hiroshige) y Diseños celtas, Art Nouveau recibió un gran impulso por la Exposición Universal de 1900 en París. Después de esto, se extendió por Europa y hasta Estados Unidos y Australia, bajo nombres locales como Jugendstil (Alemania), Stile Liberty (Italia), Sezessionstil (Austria) y estilo Tiffany (América). Una expresión muy decorativa, el Art Nouveau generalmente empleaba patrones intrincados intrincados de líneas asimétricas sinuosas, a menudo basadas en formas de plantas (a veces derivadas de La Tene formas de Arte celta) Los motivos florales y otros motivos inspirados en plantas son diseños populares de Art Nouveau, al igual que las siluetas y formas femeninas. Empleando una variedad de materiales, el estilo se utilizó en arquitectura, diseño de interiores, cristalería, joyería, arte del cartel e ilustración, así como pintura y escultura. El movimiento fue reemplazado en la década de 1920 por Arte deco.
Pintura de borde duro
25/10/2020 4 845
Este mini movimiento de Arte americano fue una subvariante de lo que critica el arte Clement Greenberg (1909-94) llamado Abstracción post-pictórica – una tendencia lejos de gestual Expresionismo abstracto según lo practicado por Willem de Kooning, Jackson Pollock y otros, hacia un lenguaje más suave y agudo. El término pintura de borde duro fue utilizado por primera vez en 1959 por el historiador y crítico de arte Jules Langsner, al describir las imágenes no figurativas de cuatro artistas de la costa oeste (Karl Benjamin, Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin) a quienes había reunido. en una exposición titulada Cuatro clasicistas abstractos, en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
Pintura barroca: historia, características, estilos
25/10/2020 16 907
Introducción
En general, la "pintura barroca" fue un reflejo de los profundos cambios políticos y culturales que surgieron en toda Europa. Barroco pintura coincidió, en términos generales, con el siglo XVII, aunque en algunas áreas, especialmente en Alemania, algunos de sus logros no se produjeron hasta el siglo XVIII. Aunque el término abarcaba una variedad desconcertante de estilos, generalmente se caracterizaba por dos cosas: un sentido de grandeza (o riqueza sensual), más un contenido emocional evidente. Fue a través de estos dos elementos que los pintores barrocos buscaron evocar estados emocionales en el espectador apelando a los sentidos, a menudo de manera dramática. ¿Por qué estaban atrayendo a los espectadores de esta manera? Porque la vida en la Europa del siglo XVII se había convertido de repente en una competencia entre dos fuerzas poderosas.
Técnica de pintura de acción: definición, características
25/10/2020 4 754
¿Qué es la pintura de acción? – Características
Es un estilo abstracto muy cargado e impulsivo. pintura gestual durante el cual la pintura se salpica, derrama o derrama enérgicamente sobre un lienzo, generalmente colocada boca arriba en el piso. Aunque este tipo de pintura automática ha sido utilizada por diferentes artistas involucrados en diferentes movimientos, como el surrealismo, se asocia principalmente con Escuela de nueva york de americano Expresionismo abstracto de los años 1940 y 1950, y con el pintor Jackson Pollock (1912-56), apodado "Jack the Dripper". Cuando surgió por primera vez, fue visto como uno de los eventos más revolucionarios en Arte americano.
Pintura del Renacimiento Temprano, Italia
25/10/2020 23 262
Recursos Relacionados
El renacimiento temprano en Italia: características (c.1400-1490)
Arte renacentista temprano en Italia fue básicamente un período de experimentación, caracterizado por los estilos de ciertos artistas individuales más que por una tendencia uniforme como en el caso de Alto renacimiento (c.1490-1530) o Manierismo (c.1530-1600). La pintura del Renacimiento temprano creció en Florencia, desde donde se extendió a ciudades como Urbino, Ferrara, Padua, Mantua, Milán y Venecia desde mediados de siglo en adelante.
Arte del retablo: tipos de retablos, tríptico, políptico, díptico
25/10/2020 4 953
Introducción
El retablo fue uno de los puntos culminantes de Arte cristiano durante el gótico tardío, el renacimiento italiano, el renacimiento del norte y los períodos de contrarreforma. Este tipo de arte religioso típicamente consiste en una o más pinturas, o esculturas (tallados en piedra o madera) talladas en redondo o en relieve, o simplemente una pantalla o pared decorada. Puede pararse encima o detrás del altar.
Jerarquía de los géneros: historia, retratos, género, paisajes, naturaleza muerta
25/10/2020 9 261
NOTA: Para el análisis de pinturas de todos los géneros, hasta 1800, consulte: Pinturas famosas analizadas (1250-1800). Para trabajos posteriores, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
Impresionismo: objetivos, grandes impresionistas, impacto en el arte occidental
25/10/2020 36 584
Introducción
El impresionismo es posiblemente el más famoso. Pintura francesa movimiento siempre. El nombre real "Impresionismo" fue acuñado por el crítico de arte francés Louis Leroy, después de visitar la primera exposición de impresionistas pintura en 1874 donde vio Impression: Soleil Levant (1872) de Claude Monet. Irónicamente, Monet solo decidió el título al completar el catálogo de la exposición, ¡y casi nombró la obra View of the Harbour en Le Havre ! En total, entre 1874 y 1882, los impresionistas realizaron siete exposiciones, todas en París.
Arte barroco: definición, estilos, historia
08/02/2020 15 200
Definición: ¿Qué es el arte barroco?
Arte renacentista en Venecia
26/10/2020 24 662
Arte renacentista en Venecia (c.1400-1600)
Introducción al arte veneciano
Venecia, otro centro de Arte renacentista, es una ciudad de canales resplandeciente y de ensueño, que durante siglos ha sido el vínculo de Italia con el exótico Oriente. Desde sus primeros días, la ciudad proporcionó un lugar de refugio para los habitantes de pueblos cercanos como Padua en momentos como las invasiones góticas y lombardas de los siglos V y VI. Gobernada en los siglos VI y VII por los emperadores bizantinos, la ciudad se colocó bajo la protección religiosa y temporal del exarca de Rávena. Rávena era en ese período una ciudad de espléndidas iglesias llenas de mosaicos (para más detalles, ver: Mosaicos de Rávena) y un puerto marítimo importante y próspero, más importante que la propia Venecia. En el siglo IX, Venecia era una potencia en desarrollo y se había convertido en un centro para el intercambio de bienes de lujo como especias y sedas del este por madera, granos y vino italianos. Fue, como otras ciudades italianas de la época, el centro de una creciente red de rutas comerciales que la puso en contacto con Europa y el Este, incluso el Lejano Oriente. Sin embargo, el desarrollo cultural de Venecia no fue influenciado en gran medida por lo que sucedía en otras ciudades italianas. Esto se explica en parte por su situación en el Mar Adriático y su larga asociación con el Imperio Bizantino y su centro, Constantinopla. Sus lazos estaban con el Este. Cuando, en el siglo IX, los ciudadanos de Venecia decidieron construir una magnífica Iglesia en honor de San Marcos, muchos nobles y plebeyos enviaron mármol de Aquilea, Rávena y Constantinopla. "De hecho, la Basílica de San Marcos, que fue construida en El siglo XI, es un monumento a la durabilidad y la grandeza de la Arte bizantino tradicion. La basílica se erigió en un plano de forma cuadrada desde el cual se levantan cinco cúpulas doradas en forma de cruz. Estas cúpulas dominan la espléndida plaza ante la iglesia y actúan casi como un faro para el visitante que se acerca a la ciudad desde el mar. (Para obtener más información sobre los diseños de edificios durante los siglos XV y XVI en Italia, consulte: Arquitectura renacentista.) Los tres siglos transcurridos entre la construcción de San Marcos y la caída de Constantinopla en 1452 fueron extraordinarios para Venecia. Después de la consolidación de su gobierno bajo un dux o duque, los venecianos establecieron centros comerciales en los Balcanes, las islas Jónicas, Creta, Chipre, Armenia, Alejandría, Caffa en la península de Crimea y, en última instancia, tan lejos como China. La prosperidad de Venecia estaba asegurada en los años venideros. Su ducado de oro, golpeado por primera vez en 1284, se convirtió en la moneda estándar del Mediterráneo y, a principios del siglo XIV, su flota hizo puerto en todos los principales centros comerciales del norte de Europa, Inglaterra y Holanda.
Arte barroco holandés
25/12/2021 15 140
Edad de oro holandesa de la pintura
Durante la era de Arte barroco, las Provincias Unidas, de las cuales Holanda era una, ocupaban la parte norte de los Países Bajos. Menos desarrollados que Flandes, quizás alguna vez habían sido las malas relaciones de los flamencos, pero en el siglo XVII la nación era rica, orgullosa y con una influencia creciente. De hecho, se convirtió en una de las naciones más ricas de la Europa del siglo XVII. También era adicto a la pintura: durante el período 1600-80, se produjeron más de 4 millones de pinturas en Holanda, mucho más que la cantidad producida por artistas del Barroco flamenco – y cada tipo de persona se entregaba a su propia apreciación de pintura de bellas artes; artesanos, comerciantes, burgueses, marineros, tenderos, todos sabían o se enorgullecían de saber algo al respecto.
Movimiento Artístico Dada: Historia, Características, Artistas
25/10/2020 17 460
¿Qué es el Dada? – Características y estética.
El primer movimiento antiarteimportante, Dada, fue una revuelta contra la cultura y los valores que, se creía, había causado y respaldado la carnicería de La Primera Guerra Mundial (1914-18). Rápidamente se convirtió en un tipo anarquista altamente arte de vanguardia cuyo objetivo era subvertir y socavar el sistema de valores del establecimiento gobernante que había permitido que ocurriera la guerra, incluido el establecimiento de las artes que consideraban inextricablemente vinculado al desacreditado statu quo sociopolítico. Errando simultáneamente en 1916, en Europa y América, sus líderes eran típicamente muy jóvenes, en sus veintes, y la mayoría había "optado por no participar", evitando el reclutamiento en el refugio de ciudades neutrales como Nueva York, Zurich y Barcelona.
Arte precolombino: definición, historia, cronología
26/10/2020 17 133
Definición
El término " arte precolombino" se refiere a la arquitectura, Art º y artesanía de los pueblos nativos de América del Norte, Central y del Sur, y las islas del Caribe (c.13, 000 BCE – 1500 CE) hasta el período marcado por la llegada de Cristóbal Colón a las Américas. Ver también: Arte indio americano. El término " Mesoamérica" es sinónimo de América Central, que describe una región cultural en las Américas, que se extiende aproximadamente desde el centro de México hasta Belice, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y el norte de Costa Rica.
Arte renacentista temprano
25/10/2020 15 925
Nota: para obtener más información sobre el duomo, el icono de Renacimiento Florentino – ver: Catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).
Arte renacentista del norte: historia, características
15/11/2021 11 754
Renacimiento del norte en los Países Bajos y Alemania
En bellas artes, el término "Renacimiento del Norte" se refiere a los rápidos desarrollos en bellas artes (c.1430-1580) que ocurrieron en dos áreas principales: (1) los Países Bajos Bajos de Flandes y Holanda; (2) Alemania. Hasta mediados del siglo XVI, las áreas holandesas fueron gobernadas por los duques de Borgoña: a partir de entonces por los Habsburgo, que también gobernaron gran parte de Alemania. El Renacimiento del Norte fue famoso por su avanzada pintura al óleo técnicas, realistas, expresivas arte de retablo, retrato en madera pinturas de paneles, tanto como xilografías y otras formas de grabado. La escultura de piedra no era popular, pero tallado en madera Era una especialidad alemana.
Arte renacentista en Florencia
26/10/2020 38 497
El renacimiento italiano temprano en Florencia
Introducción
Durante el siglo XIV, Italia estaba compuesta por estados de varios tamaños. Aunque los habitantes de todos estos estados hablaban el mismo idioma, los dialectos locales diferían, al igual que muchas de sus costumbres locales y sus formas de gobierno. Nápoles fue gobernada por un rey, mientras que las áreas del centro de Italia alrededor de Roma, fueron gobernadas por el Papa. En el norte había numerosos principados pequeños, el gran ducado de Milán y las repúblicas de Venecia y Florencia. A pesar de estas diferencias, muchos italianos destacados se unieron en un creciente orgullo por su propia identidad nacional, lo que llevó a un creciente respeto por romano y Arte griego de la antigüedad
Pintura española: historia, características
27/10/2020 26 125
Introducción
La grandeza de España en la pintura se encuentra en unos pocos artistas selectos que se elevan tan por encima de sus compañeros que ocupan la cumbre del arte europeo. Son El Greco (1541-1614), Diego Velázquez (1599-1660), y Francisco de Goya (1746 1828). Se puede encontrar cierta similitud entre su eminencia y la de Rembrandt en Holanda y Rubens en los Países Bajos españoles, aunque no solo los Países Bajos, norte y sur, un mayor número de menores Viejos maestros, y más artistas que mostraron una gran medida de originalidad en un nivel distinguido, pero también una línea de evolución más consistente.
Artistas barrocos españoles
27/10/2020 5 953
Arte barroco español
España fue gobernada durante la mayor parte del siglo XVI por dos monarcas, el emperador Carlos V (1516-1556) y luego su hijo Felipe II (1556-1598), quienes buscaron centralizar su poder real e identificaron fuertemente a la Corona con el Iglesia. Aunque Felipe II en particular estaba interesado e informado sobre las artes, y encargó obras de una amplia gama de artistas, incluidos Tiziano, Hieronymus Bosch y El Greco, el patrocinio en España provino principalmente de la Iglesia. Este último era especialmente tradicionalista, y la Contrarreforma en España se desarrolló a lo largo de líneas muy ortodoxas, se adhirió estrechamente a las doctrinas del Concilio de Trento y enfatizó en el arte aquellos temas desafiados por el protestantismo: la Inmaculada Concepción y el culto a la Virgen.; los sacramentos La intercesión de los santos. Aunque el protestantismo nunca penetró en España, Arte de la Contrarreforma católica Fue muy popular. La Orden de los Jesuitas, una creación española, fue una expresión del fervor religioso de la nación.
Artistas del renacimiento español
27/10/2020 4 850
El renacimiento en españa
Pintura española y la escultura durante el siglo XV y comienzos del siglo XVI fueron mucho menos avanzadas que sus contrapartes en Arte renacentista en Italia y en el Renacimiento del norte de Flandes y Alemania. De hecho, es difícil incluso localizar el comienzo de lo que podría llamarse un Renacimiento en la Península Ibérica.
Arte barroco español
27/10/2020 10 388
La edad de oro de la pintura española – Características
Como en los Países Bajos, la era del siglo 17 de Arte barroco fue la edad de oro de Pintura española .Liberado de la mayoría de los elementos italianos y patrocinado por una Iglesia Católica intransigente, fuertemente apoyada por devotos emperadores de los Habsburgo , Artistas barrocos españoles adoptó un estilo severo y noble de Arte de la Contrarreforma católica, que combinaba la línea y el color, así como el gráfico y el pictórico, e implicaba un sentido de observación tan agudo que ninguna otra edad o estilo de Arte cristiano ha podido superarlo en veracidad. Era la escuela de español, en concierto con maestros de la Barroco holandés en Holanda, que efectivamente guió la pintura europea por el camino del realismo naturalista .
Arquitectura del siglo XIX: características, historia
26/10/2020 16 425
Siglo 19 arquitectura Estuvo muy influenciado por los movimientos arquitectónicos anteriores y los estilos extranjeros y exóticos, que se adaptaron a las nuevas tecnologías de la era moderna temprana. Los renacimientos de los diseños griegos, góticos y renacentistas se fusionaron con métodos y materiales de ingeniería contemporáneos. En el mundo occidental, el historicismo idealizó imperios y culturas pasadas, y utilizó motivos inspirados por ellos para estimular la nostalgia nacional. Los principales tipos de estilos arquitectónicos del siglo XIX incluyen: Renacimiento griego (1800-1900); Renacimiento gótico (1810-1900) – ver Arquitectura gótica inglesa – Neorrenacentistay románico de Richardson (1840-1880); Segundo Imperio (1850-1880); Exotismo (1800-1900); Arquitectura industrial (1850-1900); Diseño de rascacielos (1885-1900). Ver: Diseño (1850-1970).
Historia del arte: orígenes, evolución de las artes visuales
12/08/2021 64 624
Contenido
Resumen cronológico de los principales movimientos, estilos, períodos y artistas que han contribuido a la evolución y el desarrollo del arte visual.
Renacimiento italiano: pintura, escultura, arquitectura
25/10/2020 39 017
Cronología y cronología
En este artículo examinamos todo el período de Arte renacentista, desde sus comienzos en el siglo XIV (trecento) , a través de su edad de oro del siglo XV (quattrocento) , a su distorsión y declive en el siglo XVI (cinquecento) El período se divide tradicionalmente en cuatro secciones, como sigue:
Caravaggismo: características del tenebrismo de Caravaggio, claroscuro
25/10/2020 5 249
El término caravaggismo describe las técnicas de tenebrismo y claroscuro popularizado por el pintor manierista italiano radical Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), y usado por él en su arte religioso, pinturas de género y naturaleza muerta, que posteriormente fue ampliamente adoptada por otros artistas contemporáneos en Italia y en toda Europa. De hecho, no solo su estilo fue ampliamente copiado, particularmente porque su naturalismo lo convirtió en un vehículo perfecto para Arte católico de contrarreforma – pero también su característico claroscuro se convirtió en un elemento definitorio en la nueva era del siglo XVII Arte barroco, no menos importante en el trabajo de los virtuosos retratistas Diego Velázquez y Rembrandt van Rijn. Sus habilidades artísticas y su reputación fueron aclamadas por sus contemporáneos a pesar de su estilo de vida personal violento, que lo llevó a su fallecimiento temprano a la edad de 38 años, habiendo completado no más de 60-70 pinturas.
Arte carolingio: historia, estilos
25/10/2020 29 237
Artes visuales carolingiasLos principales logros de arte medieval bajo Carlomagno, Luis el Piadoso, Lothar I y II y Carlos el Calvo, incluyeron arquitectura de la iglesia, pinturas murales religiosas y manuscritos del evangelio iluminados, como los Evangelios de Lorsch, el Salterio de Utrecht, los Evangelios de Ebbo y el Evangelista de Godescalc. Para otros períodos, ver: Movimientos de arte, períodos, escuelas.
Quattrocento, arte italiano del siglo XV.
26/10/2020 8 082
Nota: el término "Renacimiento", utilizado para describir los nuevos tipos de bellas artes que surgieron repentinamente en la Florencia del siglo XV, fue acuñado por primera vez por el historiador francés del siglo XIX. Jules Michelet (1798-1874.)
Arte cinético
25/10/2020 5 507
¿Qué es el arte cinético? – Características
En visual arte, el término arte cinético, derivado de la palabra griega kinesis, se refiere a obras que incorporan movimiento real o aparente. Explora cómo se ven las cosas cuando se mueven, por lo que, en su definición más amplia, el arte cinético abarca una gran cantidad de formas de arte diferentes, así como los tipos y estilos de medios. Así, por ejemplo, puede incluir cinemática y arte de animación, acontecimientos y otros tipos de arte de performance tales como mimo, figuras de torres de relojería, obras de arte estroboscópicas o relacionadas con la luz (arte cinético de Lumino), arte de la tierra o cualquier artefacto que desaparezca (muñeco de nieve) o se someta a un proceso de cambio visual, arte robótico, motion graphics y otras obras de arte creadas con nuevas tecnologías de medios. También incorpora Arte abstracto pinturas, dibujos y grabados, cuyo ’movimiento’ es meramente una ilusión óptica. Las obras de arte cinético más famosas, sin embargo, son varios tipos de motores manuales o motorizados. escultura por Jean Tinguely y móviles inventados por Alexander Calder, cuyo movimiento es causado por las corrientes de aire.
Clasicismo y naturalismo en la pintura italiana del siglo XVII.
25/10/2020 4 066
Introducción
Annibale Carracci y Caravaggio fueron los dos pintores italianos más influyentes a principios del siglo XVII. Ambos fueron reconocidos en su tiempo como artistas que, reaccionando contra el estilo de Pintura manierista prevalente en la segunda mitad del siglo 16, había traído de vuelta naturalismo a la pintura Sin embargo, lo hicieron de maneras completamente diferentes.
Renacimiento clásico en el arte moderno: clasicismo del siglo XX
25/10/2020 44 989
Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura yotras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Royal Academy of Arts, Londres
26/10/2020 5 873
La Royal Academy of Arts (RA) es un organismo independiente, dirigido por eminentes artistas y arquitectos, cuyo objetivo es promover la creación, el disfrute y la apreciación de las artes visuales en Gran Bretaña, principalmente a través de exposiciones, educación y debate. Un centro de excelencia para arte académico en Gran Bretaña, sus contrapartes en Europa incluyen el Academia de Florencia (Accademia dell’Arte del Disegno: fundada en 1562), el Academia de roma (Accademia di San Luca: fundada en 1583) y el Academia Francesa de Bellas Artes (Academia de Bellas Artes).
Cubismo: historia, características
12/12/2019 14 429
Introducción: arte abstracto revolucionario
En bellas artes, el término cubismo describe el estilo revolucionario de pintura inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en París, durante el período 1907-12. Sus métodos cubistas, inicialmente influenciados por los motivos geométricos en las composiciones de paisajes del pintor postimpresionista Paul Cezanne – redefinió radicalmente la naturaleza y el alcance de pintura de bellas artes y, en menor medida, la escultura, como se practicaba anteriormente, y anunciaba formas completamente nuevas de representar la realidad. En este sentido, el cubismo marca el final de la era dominada por el Renacimiento y el comienzo de arte Moderno.
Les Nabis: historia, legado, miembros
26/10/2020 3 117
Uno de varios franceses Post impresionismo grupos de arte asociados con el Ecole de Paris, Les Nabis se rebeló contra los confines del arte académico, como lo enseñó el parisino Ecole des Beaux Arts – incursionó en el misticismo y el simbolismo, y buscó una forma universal de pintura que le diera más importancia a la presentación decorativa de una pintura, prestando especial atención al uso emocional del color y la distorsión lineal. Fuertemente influenciado por el trabajo de Paul Gauguin, el grupo demostró ser un contribuyente importante para Pintura posimpresionista y al arte decorativo fin de siecle.
Rayonismo, Luchismo, Movimiento de Arte Abstracto Ruso
26/10/2020 3 333
Para más información sobre los movimientos de pintura en Rusia, por favor mira: Arte ruso.
Mejores pintores ingleses: Siglo XVIII / XIX
25/10/2020 8 707
Esta lista de artistas importantes asociados con Inglaterra (principalmente Londres) durante los siglos XVIII y XIX, presenta las dos principales tradiciones de bellas artes de Pintura figurativa inglesa y Pintura inglesa del paisaje. El primero de ellos incluye retratistas, pintores de género, artistas especializados en dibujos de desnudos, así como exponentes de pinturas de historia mitológica, "piezas de conversación" y otras pinturas temáticas. La segunda tradición abarca artistas topográficos, así como pintores de escenas costeras, paisajes marinos, ríos y otras vistas panorámicas. También se presentan orientalistas, miniaturistas, animales, artistas ecuestres e ilustradores. Se agregarán más artistas a su debido tiempo. Todas las sugerencias son bienvenidas.
Arte Mosan: características, historia, artistas
26/10/2020 7 124
Para una guía general sobre el desarrollo de las artes, por favor mira: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Manierismo Movimiento Artístico
26/10/2020 14 796
Recursos adicionales
¿Qué es el manierismo?
En bellas artes, el término "manierismo" (derivado de la palabra italiana ’maniera’ que significa estilo o elegancia) se refiere a un estilo de pintura, escultura y (en menor medida) arquitectura, que surgió en Roma y Florencia entre 1510 y 1520, durante los últimos años de la Alto renacimiento. El manierismo actúa como un puente entre el estilo idealizado de Arte renacentista y la dramática teatralidad de la Barroco.
Pintura en miniatura: Arte de Limning
26/10/2020 6 825
Introducción
En arte fino, el término "miniatura" se refiere a dos tipos de imágenes: (1) imágenes ilustrativas (c.600-1400 CE) en manuscritos iluminados; (2) retratos en miniatura (1500-1850) lo suficientemente pequeños como para ser usados como un elemento de joyería (relicario), incluidos los retratos de recuerdo a pequeña escala que se pueden sostener en la mano. El término real miniatura no se deriva, como se supone popularmente, de la palabra "minuto", sino del latín " minium", el cable rojo utilizado en ilustración por iluminadores medievales (" miniadores") para decorar letras iniciales en manuscritos iluminados: el rojo es uno de los primeros colores que se utilizará en dichos textos. Durante la Edad Media, miniatura arte de retrato se conocía como " historia" (de ahí el término " historiada" inicial), mientras que los pequeños retratos pintados por el artista isabelino Nicholas Hilliard (1547-1619) y sus contemporáneos, se llamaban " limnings" (cuadros en pequeños). Las miniaturas se hicieron especialmente populares en la Europa del siglo XVI y tuvieron un uso generalizado durante los siglos XVII / XVIII. Incluyeron algunos de los mejores pinturas de retratos en bellas artes Eran particularmente útiles para transmitir la apariencia de una persona y, por lo tanto, para facilitar las presentaciones entre personas a distancia. Otros clientes incluyeron marineros, exploradores y otros viajeros, que llevaban recuerdos personales de sus seres queridos mientras estaban en el extranjero, y a la inversa esposas y novios que se quedaron. los mejores retratistas En el género participaron especialistas como Jean Clouet, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Samuel Cooper, Jean Petitot y Richard Cosway, junto con retratistas regulares como Jean Fouquet, Hans Holbein, Sir Thomas Lawrence y Henry Raeburn.
Minimalismo: características, historia del arte minimalista
26/10/2020 7 224
Definición y significadoSurgiendo en una forma coherente en Nueva York, durante la década de 1960, el arte minimalista , conocido popularmente como minimalismo, pero también conocido a veces como arte ABC, arte genial, arte literalista, arte objeto y arte de estructura primaria, fue un movimiento importante de arte posmodernista, específicamente un estilo de resumen pintura o escultura caracterizada por la extrema simplicidad de la forma: en efecto, un tipo de arte visual reducido a lo esencial de la abstracción geométrica. Ampliamente expuesto en el mejores galerias de arte contemporaneo en Estados Unidos, se convirtió en un estilo importante en Nueva York y fue comercializado por varios distribuidores, incluidos Leo Castelli. El término minimalismo generalmente se aplica a obras de artistas posmodernos como Carl Andre (nacido en 1935), Dan Flavin (1933-1996), Donald Judd (1928-1994), Ellsworth Kelly (nacido en 1923), Sol LeWitt (nacido en 1928), Robert Morris (nacido en 1931), Kenneth Noland (nacido en 1924), Richard Serra (nacido en 1939), Tony Smith (1912-80) y Anne Truitt (n. 1933); y a las pinturas de Robert Mangold (nacido en 1937), Brice Marden (nacido en 1938), Agnes Martin (n. 1912) y Robert Ryman (n. 1930), entre otros. Muy a menudo, un tipo austero y cerebral de Art º, El minimalismo a veces se asocia con Conceptualismo – a través del compositor de vanguardia John Cage (1912-92) – y ocasionalmente con Land art.
Mosaicos de Ravenna: características, fotos
26/10/2020 12 054
Introducción
La ciudad de Ravenna, en el norte de Italia, situada en la costa del Adriático, al sur de Venecia, es famosa por su tardío Arquitectura romana y sus obras maestras de arte mosaico, derivado de su tiempo como la capital del Imperio Romano de Occidente (c.402-76), y más tarde como un Exarcado imperial del Imperio Bizantino (c.540-750). Sus monumentos más importantes de arte cristiano primitivo son: el mausoleo de Galla Placidia (c. 380-450), construido por el emperador Honorio; el Mausoleo de Teodorico (c. 520) y la Basílica de Sant’Apollinare Nuovo (500-514), ambos construidos por Teodorico el Grande (454-526); la basílica de San Vitale (c.527-546), iniciada por la reina Amalasuntha (495-535), hija de Teodorico; y la Basílica de Sant ’Apollinare in Classe (c.535-549), construida por el banquero griego Julianus Argentarius, quien también financió la iglesia de San Vitale. Aunque muchas de sus estructuras sobrevivientes han sido restauradas, Ravenna sigue siendo el sitio más importante de Arte bizantino fuera de Constantinopla, especialmente por su exquisito arte decorativa, incluidos mosaicos, escultura en relieve cuadros murales arte cerámico maiolica talla de marfil, incrustaciones de mármol, orfebrería, sarcófagos ornamentados y mucho más.
Jóvenes artistas británicos (YBA), Britart
27/10/2020 10 485
Introducción
A finales de los años 80 y 90, arte posmodernista en Gran Bretaña se revitalizó con la aparición de una nueva generación de artistas posmodernos, más tarde apodado Young British Artists . Al no pertenecer a ningún movimiento o estilo de arte en particular, incluyeron una mezcla diversa de pintores, escultores, artistas de video / instalación y fotógrafos, sin características compartidas aparte de su juventud, su nacionalidad y su participación en arte contemporáneo. Su trabajo a menudo se llama Britart . Los YBA se dieron cuenta debido a tres exposiciones de arte: Freeze (1988) y Modern Medicine (1990), ambas comisariadas por un desconocido estudiante de arte de Goldsmiths College llamado Damien Hirst (n. 1965), y Sensation (1997), celebrada en la Royal Academy. A partir de 1988, el principal patrocinador de YBA fue el coleccionista millonario. Charles Saatchi, cuyo patrocinio ayudó a hacer de Londres la capital europea de la posmodernidad. El término Jóvenes artistas británicos proviene del título de seis exposiciones de ese nombre celebradas en la Galería Saatchi de Londres, durante el período 1992-6. Ahora, una gran parte del establecimiento artístico británico, los YBA han aparecido como ganadores regulares del Premio Turner, y han sido elegidos miembros de la Royal Academy de Londres. Han sido exhibidos en muchos de los mejores galerias de arte contemporaneo en Europa. Además de Hirst, los artistas notables asociados con el ’movimiento’ de los Jóvenes Artistas Británicos incluyen: Tracey Emin, Jake y Dinos Chapman, Douglas Gordon, Marcus Harvey, Gary Hume, Rachel Whiteread, Gillian Wearing, Mark Wallinger, Marc Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili, Jenny Saville y otros.
Nazarenos: pintores católicos alemanes en Roma
26/10/2020 5 597
Orígenes
Parte de la amplia Romanticismo movimiento en Arte alemán del siglo XIX, los nazarenos eran un grupo de jóvenes idealistas alemanes Artistas románticos nacidos alrededor de la década de 1780, que fueron alumnos juntos en la Academia de Bellas Artes de Viena. Al creer que la vida real era demasiado banal para retratarla, la rechazaron a favor de los asuntos del espíritu y se centraron en Arte cristiano, en la tradición de la pintura medieval, especialmente Arte medieval alemán e italiano pintura renacentista temprana. Dirigidos por Friedrich Overbeck (1789-1869), otros miembros incluyeron a Franz Pforr (1788-1812), Wilhelm von Schadow (1788-1862), Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), Ludwig Vogel y Johann Konrad Hottinger. Más tarde se les unieron otros en Roma, como Peter von Cornelius (1783-1867), Johann Anton Ramboux (1790-1866) y Phillip Veit. El nombre "Nazarenos", acuñado por primera vez en 1817 por el pintor austríaco Joseph Anton Koch (1768-1839), un seguidor de Nicolas Poussin, se les dio por su estilo de vida devoto, su vestimenta bíblica y su cabello largo.
Legado de pintura veneciana
27/10/2020 9 483
Introducción
Los herederos del gran florecimiento del siglo XVI. Pintura veneciana no se encontraban en la propia Venecia (donde el talento disminuyó rápidamente después de 1600) sino en Amsterdam, Amberes y Madrid; Roma, París y Londres. Los italianos Caravaggio y Annibale Carracci; los maestros holandeses Rubens, Anthony Van Dyck y Rembrandt; Poussin y Velázquez: estos genios, cuyo ejemplo inspiró y dominó pintura de bellas artes en Europa durante unos 250 años, ya que todavía presiden nuestros museos reales e imaginarios, obtuvieron gran parte de su sustento de la pintura del Renacimiento de Venecia, que así se trasladó de las fronteras del arte italiano (a lo que el historiador / pintor Giorgio Vasari deseaba enviarlo) al centro mismo. Algunos de estos pintores en realidad visitaron la propia Venecia, pero otros no; porque durante el transcurso del siglo XVII, las imágenes venecianas se extendieron a ciudades de toda Europa. Cuando se instó al joven Rembrandt a ir a Italia para mejorar su estilo, afirmó que no tenía sentido hacerlo, porque era más fácil ver el italiano. Arte renacentista en Amsterdam que viajar de ciudad en ciudad en Italia. Veremos que este reclamo no fue del todo irrazonable.
Naturalismo en pintura
21/03/2019 13 061
¿Qué es el naturalismo? (Características)
En bellas artes jadeando, "naturalismo" describe un estilo realista que implica la representación o representación de la naturaleza (incluidas las personas) con la menor distorsión o interpretación posible. Las mejores pinturas naturalistas tienen una calidad casi fotográfica: una calidad que requiere una cantidad mínima de detalles visuales. El naturalismo "moderno" data de la afluencia de principios del siglo XIX, y estuvo muy influenciado por la moda literaria para la autenticidad: el término fue acuñado por el escritor francés Emile Zola. Surgió primero en Pintura paisajista inglesa, antes de extenderse a Francia y luego a otras partes de Europa. Como todos los estilos comparables, el naturalismo está influenciado hasta cierto punto por el estética y cultura, así como el subjetivismo inevitable del artista. Pero es una cuestión de grado: después de todo, ninguna pintura puede ser completamente naturalista: el artista está obligado a hacer pequeñas distorsiones para crear su idea de una imagen perfectamente natural. Sin embargo, si un artista se propone con el claro objetivo de replicar la naturaleza, el resultado más probable es una pintura naturalista.
Arte alemán del siglo XIX
25/10/2020 45 717
Para ver cómo la cultura del siglo XIX en Alemania encaja en el desarrollo cronológico de las artes visuales en Europa, vea: Historia de la línea de tiempo del arte.
Neoimpresionismo: movimiento de pintura
26/10/2020 8 706
¿Qué es el neoimpresionismo? – Características
El término Neoimpresionismo fue utilizado por primera vez en 1886 por el crítico de arte francés. Felix Feneon para describir un estilo del siglo XIX Pintura posimpresionista, pionero por Georges Seurat (1859-1891). Este estilo de Post impresionismo utilizó una nueva técnica de "mezcla de colores" conocida como Puntillismo (una forma específica de Divisionismo) En términos simples, en lugar de mezclar diferentes colores en una paleta y luego aplicarlos al lienzo, los artistas neoimpresionistas aplicaron diferentes colores primarios al lienzo, en grupos de pequeños puntos (puntos), y luego permitieron que el ojo del espectador hiciera lo mismo. "mezcla". Este método de pintura puntillista se utilizó para aumentar la luminosidad del pigmentos de color. Desde la distancia, los puntos de pigmento separado se unieron en su conjunto a los ojos del espectador y brillaron con el máximo brillo. Seurat mismo llamó a la técnica Chromoluminarism (luminosidad del color) en lugar de puntillismo o divisionismo. (Nota: aunque se usa indistintamente, el divisionismo se refiere al método general de aplicar pequeños trazos o toques de colores primarios separados, mientras que el puntillismo se refiere al tamaño / tipo de dab, en este caso, puntos).
Arquitectura neoclásica (1640-1850)
26/10/2020 8 217
Recursos adicionales
Introducción
En arquitectura, Neoclasicismo (o simplemente clasicismo) señaló un retorno al orden y la racionalidad después del extravagante Barroco, y la frivolidad decorativa de la Rococó. Como un estilo compuesto por muchos elementos, basado en un grado variable en las formas antiguas de Arquitectura griega y Arquitectura romana, la arquitectura neoclásica puede ser imitada en mayor o menor medida. Por esta razón, los diseñadores de edificios han seguido tomando prestados modelos griegos y romanos desde mediados del siglo XVII, ¡incluso podría decirse desde la caída de Roma en el siglo V! – lo que hace que el neoclasicismo sea el estilo de construcción más popular del mundo.
Pintura neoclásica: definición, características
26/10/2020 8 586
Recursos adicionales
El renacimiento de lo antiguo
La pintura neoclásica generalmente incluía un énfasis en el diseño lineal austero en la representación de eventos clásicos, personajes y temas, usando escenarios y vestimentas históricamente correctas. Su surgimiento fue muy estimulado por el nuevo interés científico en la antigüedad clásica que surgió durante el curso del siglo XVIII. Una serie de descubrimientos arqueológicos notables, en particular la excavación de las ciudades romanas enterradas de Herculano (a partir de 1738) y Pompeya (a partir de 1748), provocó un aumento del interés renovado en Arte romano. Además, desde alrededor de 1712 en adelante, varias publicaciones influyentes de Bernard de Montfaucon (1655-1741), Giovanni Battista Piranesi (1720-78), el Conde de Caylus y Robert Wood proporcionaron grabados de monumentos romanos y un mayor interés en clasicismo y antigüedad clásica. Todo esto ayudó a los académicos a establecer una cronología más precisa para el arte grecorromano, cuyos numerosos hilos y estilos estimularon un mayor respeto por la cultura de la época. Los entusiastas escritos del historiador y erudito alemán. Johann Joachim Winckelmann (1717-68) fueron particularmente influyentes a este respecto y rápidamente lo establecieron como el campeón de Arte griego, y del estilo latente del neoclasicismo.
Arte neoclásico, neoclasicismo (1770-1830)
26/10/2020 8 313
Resumen
El estilo artístico conocido como "Neoclasicismo" (también llamado " clasicismo ") fue el movimiento predominante en el arte y la arquitectura europeos a fines del siglo XVIII y principios del XIX. Reflejaba el deseo de reavivar el espíritu y las formas del arte clásico de la antigua Grecia y Roma, cuyos principios de orden y razón estaban totalmente en consonancia con la era europea de la Ilustración. El neoclasicismo fue también, en parte, una reacción contra la ostentación de Arte barroco y la decadente frivolidad de lo decorativo Rococó escuela, defendida por la corte francesa, y especialmente la amante de Luis XV, Madame de Pompadour, y también estimulada en parte por el descubrimiento de ruinas romanas en Herculano y Pompeya (1738-50), junto con la publicación en 1755 del libro de gran influencia Pensamientos sobre La imitación de las obras de arte griegas, por el historiador y estudioso del arte alemán Johann Winckelmann (1717-68). Todo esto condujo a un renacimiento de la pintura neoclásica, la escultura y el diseño arquitectónico en Roma, una importante parada en el Grand Tour – desde donde se extendió hacia el norte hasta Francia, Inglaterra, Suecia y Rusia. Estados Unidos se entusiasmó mucho con la arquitectura neoclásica, sobre todo porque prestó a los edificios públicos un aura de tradición y permanencia. Los pintores neoclásicos incluyeron a Anton Raphael Mengs (1728-79), Jacques-Louis David (1748-1825), Angelica Kauffmann (1741-1807) y Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867); mientras que los escultores incluyeron a Jean-Antoine Houdon (1741-1828), John Flaxman (1755-1826), Antonio Canova (1757-1822) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844). Entre los exponentes más conocidos de la arquitectura neoclásica estaban Jules-Hardouin Mansart (1646-1708), Jacques Germain Soufflot (1713-80), Claude Nicolas Ledoux (1736-1806), John Nash (1752-1835), Jean Chalgrin (1739-1811), Carl Gotthard Langhans (1732-1908), Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) y Benjamin Henry Latrobe (1764-1820).
Novgorod School of Icon Painting
26/10/2020 14 637
Introducción
Un destacado centro de Arte cristiano, la escuela de Novgorod produjo tantos pinturas de paneles de tan alta calidad, entre los siglos XII y XVI, que su producción merece clasificarse entre las mejores y más importantes en la historia de pintura de iconos. Ciertos iconos bizantinos, es cierto, como la Virgen de Vladimir (c.1131), pueden superar a cualquiera producido por la escuela de Novgorodian; pero hay muchas obras maestras individuales de Arte ruso, aunque no existen suficientes iconos bizantinos para permitirnos formar una idea justa del estándar general alcanzado por los pintores bizantinos en un período determinado. Hasta más Arte bizantino sin descubrir, la escuela de pintura de iconos de Novgorod debe ser aceptada como la más rica y prolífica. (Por favor vea también: Arte cristiano, período bizantino.)
Salon d’Automne, Paris
26/10/2020 7 867
Para obtener información sobre el Salón oficial de París (1667-presente), por favor mira: Salon de Paris.
Realismo al impresionismo: desarrollo y tipos de arte realista
26/10/2020 16 611
Introducción
Realismo – uno de los mas importantes movimientos artísticos de la era moderna – creció como resultado de los rápidos cambios en las condiciones industriales y sociales que ocurrieron durante el siglo XIX. Su ascenso también estuvo influenciado por la creciente importancia de la ciencia y el correspondiente declive del individualismo romántico. Posiblemente el primer movimiento real de Arte Moderno, este nuevo y prosaico modismo de Pintura realista conducido directamente a Monet Impresionismo y, después, al desacoplamiento de la pintura de la naturaleza. Paradójicamente, todo esto abrió la puerta a arte abstracto y los diversos hilos de Expresionismo que surgió en el siglo XX.
Arte ottoniano: historia, características
26/10/2020 28 849
El imperio ottoniano
A principios del siglo X, el Imperio Carolingio (aunque no Arte carolingio) se había desintegrado como resultado de la disensión interna y los ataques de enemigos externos: nórdicos en el oeste y eslavos y magiares en el este. Con la elección de Henry the Fowler, duque de Sajonia, como rey de los francos orientales en 918, comenzó un proceso de consolidación. Culminó con el establecimiento del Imperio Ottoniano bajo el hijo de Enrique, Otto el Grande, quien fue coronado Emperador del Sacro Imperio Romano en Roma en 962 y dio su nombre tanto a la dinastía como a la época. Los emperadores sajones reorganizaron los medios de gobierno, desarrollando una estrecha cooperación entre la Iglesia y el Estado en el que el Emperador actuó como gobernante divinamente designado y como vicario de Dios en la tierra, Rex et Sacerdos (Rey y Sacerdote), mientras que los grandes príncipes de la Iglesia y su clero actuaba como un servicio civil que trabajaba en estrecha armonía con la cancillería real y, de hecho, la formaba. Bajo la dinastía ottoniana, los francos orientales se convirtieron en los líderes indiscutibles de la cristiandad occidental. Los príncipes de la Iglesia, nominados del emperador, no solo eran prelados espirituales, sino también señores feudales, y los arzobispos y obispos mismos tomaron las armas para el emperador. Bruno de Colonia, el hermano de Otto I, por ejemplo, ocupó el ducado de Lotharingia, así como el arzobispado vital de Colonia. Para ver el arte ottoniano en un contexto alemán, vea: Arte medieval alemán (c.800-1250).
Salon de Paris
26/10/2020 8 123
Recursos
Para obtener más información sobre las Academias europeas de bellas artes, consulte:
Pop Art: historia, características
26/10/2020 32 848
¿Qué es el arte pop? – Características
El término Pop-Art fue inventado por el curador británico Lawrence Allowayen 1955, para describir una nueva forma de arte "popular": un movimiento caracterizado por las imágenes del consumismoy la cultura popular . El Pop-Art surgió tanto en Nueva York como en Londres a mediados de la década de 1950 y se convirtió en el estilo de vanguardia dominante hasta finales de la década de 1960. Caracterizado por imágenes audaces, simples y cotidianas, y colores de bloques vibrantes, era interesante de ver y tenía una sensación moderna de "cadera". Los esquemas de colores brillantes también permitieron esta forma de arte de vanguardia enfatizar ciertos elementos en la cultura contemporánea, y ayudó a reducir la brecha entre las artes comerciales y las bellas artes. Fue el primer movimiento posmodernista (donde el medio es tan importante como el mensaje), así como la primera escuela de arte en reflejar el poder del cine y la televisión, del cual muchas de sus imágenes más famosas adquirieron su fama. Las fuentes comunes de la iconografía pop fueron anuncios, empaques de productos de consumo, fotos de estrellas de cine, estrellas del pop y otras celebridades, y tiras cómicas.
Arte posimpresionista: historia, características
26/10/2020 12 401
¿Qué es el postimpresionismo?
En bellas artes, el término postimpresionismodenota la fase de arte Moderno durante el cual los artistas buscaron progresar más allá del estrecho estilo imitativo Impresionismo, como lo practican Claude Monet y sus seguidores. (Para más información, ver: Características de la pintura impresionista..) La fase duró aproximadamente desde 1880 hasta finales de 1900, aunque duró más tiempo fuera de Francia. Probablemente los movimientos posimpresionistas más influyentes incluyeron el neoimpresionismo , el expresionismotemprano, el art nouveauy el fauvismo , aunque la importancia del período radica esencialmente en el arte pionero de ciertos pintores individuales.
Postimpresionismo en Alemania (1880-1910)
26/10/2020 21 755
Arte posimpresionista alemán: en resumen
En Alemania, la ausencia de una fuerte tradición de Impresionismo, combinado con la falta de cualquier centro artístico dominante, produjo una forma relativamente leve de Post impresionismo, en comparación con Francia. Es cierto que el expresionista noruego Edvard Munch causó conmoción en Berlín en 1892 con obras tan duras como Sick Child (1885-186; National Gallery, Oslo), que resonó con círculos de vanguardia. Pero el estilo predominante entre artistas modernos en Alemania se mantuvo Naturalismo, como lo demuestran los trabajos de Hans von Marees y Lovis Corinth. (Ver también: Postimpresionismo en Holanda.) Un pequeño número de pintores, como Arnold Bocklin y Ferdinand Hodler, de origen suizo, que trabajaban principalmente en Alemania, pasaron del naturalismo a Simbolismo, como lo muestra la Eurhythmy de Hodler (1895, Kunstmuseum, Berne). Una figura importante detrás de la introducción de lo moderno Pintura francesa En Alemania se encontraba el crítico de arte Julius Meier-Graefe, quien hizo mucho para garantizar que las obras de Van Gogh, Gauguin y otros franceses Pintores postimpresionistas llamó la atención del público alemán. Además, las visitas de artistas entre Francia y Alemania, como Alexei von Jawlenski, Paul Serusier, Maurice Denis, Jan Verkade, Paula Modersohn-Becker y otros, también contribuyeron a la conciencia del francés. Pintura posimpresionista dentro del próximo movimiento expresionista en Alemania.
Postimpresionismo en Holanda
26/10/2020 29 326
Pintura holandesa de finales del siglo XIX
Los dos centros principales de Post impresionismo en Holanda en la segunda mitad del siglo XIX fueron La Haya y Amsterdam. La Escuela de La Haya era una asociación flexible de pintores holandeses que estuvieron activos en La Haya durante el período c.1860-1900. Especializado en naturalismo especialmente pintura de paisaje y paisajes de playa: también produjeron una variedad de diferentes tipos de pintura de género, incluidos los interiores de las iglesias. Algunas de sus obras tenían un toque romántico y nostálgico, no tan diferente de principios del siglo XIX. Biedermeier estilo en Alemania (1815-48) o el de Christen Kobke (1810-48) en Dinamarca. Sin embargo, sus contrapartes inmediatas en Francia fueron los artistas del Escuela barbizon y luego el Impresionistas. Al igual que ellos, los miembros de la Escuela de La Haya intentaron capturar los efectos peculiares de la luz y la atmósfera. Los miembros importantes del grupo de La Haya incluyeron: Bosboom, Johannes (1817-1891), los hermanos Maris – Jacob (1837-1899), Matthijs (1839-1917), Willem (1844-1910) – Jozef Israels (1824-1911), Anton Mauve (1838-1888), Hendrik Willem Mesdag (1831-1915) y Johan Hendrik Weissenbruch (1824-1903), algunos de los cuales influyeron en van Gogh y el postimpresionista Divisionismo italiano de Giovanni Segantini.
Primitivismo, arte primitivo: definición, características
26/10/2020 22 913
Definición y características
El término " Arte primitivo" es una descripción bastante vaga (e inevitablemente etnocéntrica) que se refiere a los artefactos culturales de los pueblos "primitivos", es decir, aquellos grupos étnicos que tienen un nivel relativamente bajo de desarrollo tecnológico según los estándares occidentales.
Arte prorrenacentista: definición, características, historia
26/10/2020 12 567
¿Qué es el Proto Renacimiento? – Características
En bellas artes, el término "Proto Renacimiento" se refiere al período prerrenacentista (c.1300-1400) en Italia, y las actividades de pintores progresistas como Giotto (1267-1337), quienes fueron pioneros en la nueva forma de "realismo" figurativo, que fue completamente desarrollado por artistas durante la era de Arte renacentista apropiado. Sin embargo, el innovador arte de Giotto no representaba a la corriente principal europea o incluso italiana. Derivado de tradiciones heredado de Arte bizantino cristiano – que influyó en los murales de Pintura románica) – el estilo conocido como Arte gótico, defendido en Italia por la ciudad de Siena, entre otros, seguía siendo el estilo predominante de pintura y escultura. De hecho, el idioma gótico sobrevivió hasta el siglo XV en la forma de un estilo conocido como Gótico internacional, que se hizo popular en muchas de las cortes reales de Europa, especialmente en Francia, España, Bohemia e Inglaterra. El Renacimiento propiamente dicho comenzó alrededor de 1400 en la ciudad de Florencia, pero sus ideales y métodos no se convirtieron en una fuerza dominante en el arte europeo hasta mediados del siglo XV. Los principales tipos de arte practicados durante el período del Proto-Renacimiento incluyeron: pintura mural al fresco, pintura de paneles de temple, iluminaciones de libros, escultura en relieve, orfebrería y otras formas de trabajo en metal. La mayoría de los desarrollos artísticos del período trecento del Proto-Renacimiento tuvieron un efecto directo en Pintura renacentista temprana (c.1400-90) de la quattrocento .
Puntillismo: historia, características
26/10/2020 5 745
¿Qué es el puntillismo? – Características
En bellas artes, el término "puntillismo" (de la palabra francesa "punto" que significa "punto") describe una técnica de Neoimpresionismo pintura, en la que se aplican cientos de pequeños puntos o rayas de color puro al lienzo, u otro terreno, para crear la máxima luminosidad. Es decir, en lugar de mezclar pigmentos de color en una paleta y luego aplicando la mezcla sobre la pintura, el Pointillist aplica pequeños puntos de color puro sin mezclar directamente sobre la imagen y confía en el ojo del espectador para mezclar los colores ópticamente. Visto a la distancia correcta (supuestamente tres veces la medida diagonal), los puntos de color dan un efecto más rico y sutil que el que se puede lograr con las técnicas convencionales. Puntillismo (en realidad, una rama de Divisionismo) fue el estilo más influyente de Pintura posimpresionista (1880-95) y fue practicado por Pintores postimpresionistas de varias escuelas diferentes. Divisionismo italiano, dirigido por Vittore Grubicy De Dragon (1851-1920), fue especialmente activo.
Pintura realista, siglo XIX: historia, características
26/10/2020 41 484
Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura yotras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Arte rococó
26/10/2020 41 515
Para una breve introducción a los aspectos arquitectónicos de este estilo de arte, vea: Arquitectura rococó.
Pintura románica (c.1000-1200)
26/10/2020 18 386
Fondo
En la historia de Arte cristiano, el término "románico" es un término bastante vago y principalmente arquitectónico que se ha extendido a otras disciplinas artísticas como la pintura y la escultura. Si Arquitectura románica está marcado por una nueva masividad de escala, y Escultura románica Por un mayor realismo, la pintura románica se caracteriza por una nueva formalidad de estilo, en gran parte desprovista del naturalismo y el humanismo de sus antecedentes clásicos o sus sucesores góticos. (En pocas palabras: antes de la delicadeza gótica, viene la severidad románica.) Predominan los diseños lineales, que producen calma majestuosa o, alternativamente, expresividad agitada. El carácter decorativo de las vidrieras románicas, manuscritos iluminados, arte de retablo y otras imágenes, pueden verse como una especie de puente entre el este Arte bizantino – con su simbólico, formalizado pintura de icono – y occidental Arte gótico, con su variante cortesana de finales del siglo XIV conocida como Gótico internacional.
Pintura románica en España
26/10/2020 16 465
Para una guía general de murales religiosos, ver: Arte cristiano (150-2000).
Pintura románica en Italia
26/10/2020 19 924
Para una guía general de murales de la Iglesia, ver: Arte cristiano (150-2000).
Pintura románica en Francia
26/10/2020 17 121
Para más sobre arte medieval y diseño de edificios, ver: Arquitectura románica (c.800-1200).
Manuscritos románicos iluminados
26/10/2020 42 469
Serie de pintura de libros medievales (1) Iluminación de manuscritos medievales (c.1000-1500) (2) Manuscritos románicos iluminados (c.1000-1150) (3) Manuscritos Góticos Iluminados (c.1150-1350) (4) Pinturas internacionales de libros góticos (c.1375-1450)
Arte románico: historia, características
26/10/2020 24 317
ARTES ROMANICAS Para más sobre elcaracterísticas de estoestilo arquitectónico, ver:Arquitectura románica.Para más sobre elartes plásticas, ver:Escultura románica.
Romanticismo: definición, características, historia
26/10/2020 16 849
¿Qué es el romanticismo? – Características
A pesar de los primeros esfuerzos de pioneros como El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) y Claude Lorrain (1604-82), el estilo que conocemos como Romanticismo no cobró impulso hasta finales del siglo XVIII, cuando el elemento heroico del neoclasicismo tuvo un papel central en pintura. Este elemento heroico se combinó con el idealismo revolucionario para producir un estilo romántico emotivo, que surgió a raíz de la Revolución Francesa como una reacción contra los moderados. arte académico del establecimiento de las artes. Los principios del romanticismo incluyeron: un retorno a la naturaleza, ejemplificado por un énfasis en la pintura espontánea al aire libre, una creencia en la bondad de la humanidad, la promoción de la justicia para todos y una fuerte creencia en los sentidos y las emociones, en lugar de la razón e intelecto. Los pintores y escultores románticos tendían a expresar una respuesta personal emocional a la vida, en contraste con la moderación y los valores universales propugnados por Arte neoclásico. Los arquitectos del siglo XIX también intentaron expresar una sensación de romanticismo en sus diseños de edificios: ver, por ejemplo, Arquitectura victoriana (1840-1900).
Pintura medieval rusa
26/10/2020 13 465
Tipos de pintura medieval
Hasta finales del siglo XVI. Arte ruso especialmente pintura – estaba prácticamente confinado a temas religiosos, que además tenían que representarse de la manera específica definida por la tradición religiosa. Estas pinturas religiosas fueron ejecutados en paneles de madera , que se llaman iconos, o en las paredes de la iglesia . Manuscritos iluminados eran relativamente raros en Rusia y, hasta donde se sabe, la mayoría arte mosaico de la Edad Media fue obra de artistas bizantinos enviados a Rusia específicamente para este propósito. (Ver también: Arte cristiano, período bizantino.)
Arte ruso: historia, características
26/10/2020 28 404
El arte ruso más antiguo
Las bellas artes en Rusia se remontan a la Edad de Piedra. La primera obra conocida de arte ruso / ucraniano es el Venus de Kostenky (c.23, 000-22, 000 BCE), una talla de hueso de mamut de una figura femenina, descubierta en Kostenky (Kostienki), que data de la cultura Gravettian. Una pieza similar de escultura prehistórica, tallado en piedra caliza fue descubierto en el mismo sitio. Otros artículos de ruso arte prehistórico de la era de Gravettian incluyen el Venus de Gagarino (c.20, 000 AEC), el Avdeevo Venuses (c.20, 000 aC), y una talla de marfil conocida como la Mal’ta Venuses (20, 000 aC) cerca del lago Baikal en Siberia. El arte de la era magdaleniense en Rusia está ejemplificado por el Pinturas rupestres de Kapova en la Reserva Shulgan-Tash, Bashkortostán, en el sur de los Urales y también por Cerámica de la cuenca del río Amur (14.300 a. C.).
Escuela de pintura de Siena dirigida por Duccio di Buoninsegna
26/10/2020 7 678
La escuela de arte italiano de Siena, fundada por Guido da Siena (activo después de 1250) y Coppo di Marcovaldo (1225-1274), floreció en Siena, entre los siglos XIII y XV. Dedicado exclusivamente a Arte cristiano, tuvo una influencia significativa en el desarrollo de Pintura prerrenacentista (c.1300-1400). Durante muchos años, siendo gibelina y antipapado, rivalizó con Florencia, cuyos ejércitos aplastaron hasta 1260, pero artísticamente fue más conservadora, obteniendo inspiración del estilo de los murales al fresco en Pintura románica y estar inclinado hacia la belleza decorativa y la gracia de Arte bizantino y el Gótico internacional.
Simbolismo Pintura Movimiento
27/10/2020 6 625
Definición y características
El simbolismo, un movimiento de finales del siglo XIX de Pintura posimpresionista, floreció en toda Europa entre 1886 y 1900 en casi todas las áreas de las artes. Inicialmente emergente en la literatura, incluyendo poesía, filosofía y teatro, luego se extendió a la música y las artes visuales. El arte simbolista tenía fuertes conexiones con el Prerrafaelitas y con Romanticismo, así como el movimiento de esteticismo. Como todos estos movimientos, el simbolismo fue en gran parte una reacción contra el naturalismo y el realismo, y se asoció estrechamente con pintura mitológica De todo tipo. Donde los realistas y los naturalistas buscaban capturar la realidad óptica en todo su carácter objetivo y, por lo tanto, se enfocaban en lo ordinario más que en el ideal, los simbolistas buscaban una realidad más profunda desde su imaginación, sus sueños y su inconsciente. Pintores simbolistas famosos incluidos Gustave Moreau (1826-98), Arnold Bocklin (1827-1901), Ferdinand Hodler (1853-1918), Max Klinger (1857-1920), Paul Gauguin (1848-1903), James Ensor (1860-1949), Edvard Munch (1863-1944), Odilon Redon (1840-1916), y Puvis de Chavannes. Aunque fue breve, el movimiento tuvo una fuerte influencia en Arte alemán del siglo XIX., y un gran impacto en los artistas europeos del siglo XX, particularmente aquellos involucrados en Les Nabis y Art Nouveau y también el Expresionismo y Surrealismo movimientos También influyó en artistas como Whistler, Giorgio de Chirico, Joan Miro, Paul Klee, Frida Kahlo y Marc Chagall. Durante la década de 1990, varios pintores chinos, miembros de la Realismo cínico movimiento en Beijing: utilizó motivos simbolistas para expresar las incertidumbres políticas y sociales que surgieron después de la represión en la Plaza Tiananmen.
El sintetismo: estilo de pintura
27/10/2020 6 050
Pintura expresionista con simbolismo
El término sintetismo describe un estilo de Pintura posimpresionista que fue desarrollado durante la década de 1880 por Paul Gauguin (1848-1903), Emile Schuffenecker (1851-1934), Emile Bernard (1868-1941), Louis Anquetin (1861-1932) y otros. En un esfuerzo por romper con la obsesión impresionista con el estudio de la luz, Gauguin buscó desarrollar un nuevo estilo de pintura basado en áreas bidimensionales de puro color (es decir, con pocas áreas sombreadas o cualquier tipo de modelado 3D) y algunas líneas fuertes. Las técnicas de sintetismo se ejemplifican en la obra maestra de Gauguin Visión después del sermón (1888, Galería Nacional de Escocia), una de las mejores pinturas modernas, que representa dos niveles diferentes de realidad: el mundo real y el mundo de los sueños. El nombre Synthetism estaba destinado a referirse a la "síntesis" de (1) formas y esquemas de color simplificados, con (2) la idea principal o el sentimiento del sujeto, para producir una declaración artística más audaz. El sintetismo está fuertemente asociado con el Colonia de artistas de Pont-Aven en Bretaña Otro pintores expresionistas Con sede en Pont-Aven, quien practicaba el sintetismo, incluía a Jacob Meyer de Haan (1852-95), Charles Laval (1862-94), Paul Serusier (1863-1927), Charles Filiger (1863-1928) y Armand Seguin (1869-1903). En su propia descripción de este nuevo estilo de Pintura francesa, con sus grandes áreas de color puro y contornos negros, Emile Bernard y Louis Anquetin prefirieron usar el nombre Cloisonnismo después de la técnica medieval de esmaltado cloisonné.
Cubismo sintético
27/10/2020 10 722
Introducción: historia y características
Siguiendo las fases de Pintura cubista temprana y Cubismo analítico, el tercer y último acto de la colaboración cubista entre Georges Braque (1882-1963) y Pablo Picasso (1881-1973) ocurrió durante el período 1912-14. Conocido como cubismo sintético, este estilo de arte simbólico es más colorido que la forma analítica anterior de Cubismo, incorpora una amplia variedad de materiales extraños y está particularmente asociado con la novedosa técnica de Picasso collage y los colles de papel de Braque. El español Juan gris (1887-1927) fue uno de los principales contribuyentes al nuevo estilo. Si el cubismo analítico proporcionara una alternativa pictórica revolucionaria al punto único perspectiva lineal, El cubismo sintético fue igualmente innovador en su uso de collage y colles de papel, los cuales colmaron la brecha entre la vida y el arte al insertar piezas del mundo real en el lienzo. También destacaron el hecho de que una pintura es un objeto plano bidimensional y desdibujaron la línea entre la pintura y la escultura. Tuvo una influencia notable en movimientos posteriores como Dada (c.1916-24) Surrealismo (1924 en adelante) y Arte pop (c.1960-75). El cubismo sintético de Picasso coincidió con su traslado de Bohemian Monmartre a Montparnasse, y terminó con el estallido de la guerra en el otoño de 1914, poco después de lo cual Braque se fue a luchar y Daniel-Henry Kahnweiler (el principal comerciante de arte del dúo) huyó a Suiza. Como español neutral, Picasso era libre de continuar su carrera de pintura en París. A su debido tiempo estuvo representado por Paul Rosenberg (1881-1959), hermano menor del comerciante cubista Leonce Rosenberg (1879-1947).
Sincromismo: estilo de pintura abstracta
27/10/2020 4 525
¿Qué es el sincromismo?
En arte Moderno, el término "Sincromismo" se refiere a un estilo de pintura lanzado en París en 1913 por dos pintores estadounidenses, Morgan Russell (1886-1953) y Stanton MacDonald-Wright (1890-1973). Similar al estilo francés de Orfismo, El sincromismo era una forma de arte abstracto, en el cual color Se le otorgó el papel principal como fuente de forma y expresión. Las exposiciones sincrromistas se celebraron en 1913 en París y Múnich, y también en Nueva York, a raíz de la famosa Exposición Internacional de Arte Moderno (también conocida como la Show de armería) El estilo sincronista de Arte americano También fue adoptado por el pintor del medio oeste Thomas Hart Benton (1889-1975), antes de cambiar al regionalismo durante la década de 1920. Inicialmente aclamado como uno de los próximos movimientos de arte abstracto, fracasó durante la Primera Guerra Mundial, aunque sus fundadores conservaron la reputación de estar a la vanguardia de artistas modernos a principios del siglo XX. Al final de la guerra, un nuevo estilo austero y geométrico de arte no objetivo – ejemplificado por el De Stijl movimiento, fundado por Theo Van Doesburg (1883-1931), y Neoplasticismo creado por Piet Mondrian (1872-1944) – reemplazaría al Sincromismo (y el Orfismo) en Europa, mientras que el Realismo se afianzaría en América.
Realismo socialista, arte político
27/10/2020 7 035
Caracteristicas
El realismo socialista se refiere a cualquier pintura o escultura, creada en un estilo realista, que contiene un mensaje socialista. A veces llamado arte comunista, este tipo político de pintura realista se ejemplifica mejor por el estilo de Arte ruso que se introdujo a fines de la década de 1920 / principios de la década de 1930, durante la era estalinista, y que se convirtió en obligatorio para todos los artistas. La pintura y la escultura socialista realistafue un elemento clave en la campaña de propaganda comunista en curso dirigida a los ciudadanos de la Unión Soviética (URSS). Diseñado para atraer a una audiencia masiva, buscó inspirarlos con admiración por los ciudadanos que trabajan duro y tratan de construir una sociedad comunista. Si bien la idealización heroica del trabajadorera su leitmotiv, sus imágenes se caracterizaban por una forma fácil de entender. realismo, pintado en colores vivos. Las esculturas socialistas realistas eran generalmente piezas monumentales con un fuerte elemento figurativo. Sin embargo, los carteles eran, con mucho, la forma más popular y omnipresente de arte realista socialista . Gran parte de esta actividad de agitprop fue dirigida por el jefe de cultura de Stalin, Andrei Zhdanov (1896-1948). Otros países totalitarios (por ejemplo, Albania, China, Corea del Norte) persiguieron similares estética, como lo hizo la Alemania nazi. Arte nazi, por ejemplo, producido bajo Joseph Goebbels, promovió la ideología nacionalsocialista, como lo demuestran los repugnantes carteles antisemitas de Hans Schweitzer (Mjolnir) (1901-80) y las poderosas películas y fotos propagandísticas de Leni Riefenstahl (1902-2003).
Realismo social en el arte: historia, características
27/10/2020 4 665
¿Qué es el realismo social?
En arte Moderno, la frase "realismo social" se asocia tradicionalmente con entreguerras Arte americano, que comentó sobre las condiciones sociales, económicas y políticas que prevalecieron durante la era de la Depresión. Encarnado en el trabajo de Ben Shahn (1898-1969), el realismo social estadounidense fue uno de dos movimientos de arte moderno con un carácter de izquierda, el otro es el realismo socialista de inspiración soviética. Evolucionó de lo anterior Cubo de la basura movimiento de arte urbano, dirigido por Robert Henri (1865-1929). Más importante aún, fue reforzado por el Proyecto de Arte Federal (1935-43), un programa patrocinado por el estado de WPA de arte publico, que promovió el papel del artista dentro de la sociedad. En su apogeo, el Proyecto de Arte Federal empleó a más de cinco mil artistas modernos envuelto en arte del cartel y grabado tanto como artesanía y pintura. La decoración de edificios públicos fue una parte integral del programa, y también incluyó un Índice de Diseño Americano, un vasto registro escrito de arte decorativa En América. Otros movimientos realistas de los años de entreguerras incluyeron Pintura de escena americana y su ramificación Regionalismo.
Pintura medieval: pintores góticos de la Edad Media
26/10/2020 12 725
EVOLUCIÓN DEL ARTEPara la historia de la pintura, ver: Historia del Arte (800 BCE-presente).Para más detalles, ver:Historia de la línea de tiempo del arte.Para estilos específicos, ver:Movimientos de arte.
Arte medieval: manualidades cristianas en la Edad Media
16/08/2022 13 891
Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura yotras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Artistas medievales: escultores, pintores, orfebres de la Edad Media
01/02/2020 12 785
Introducción
Aunque la historia de Arte medieval abarca casi diez siglos entre el Saco de Roma (c. 450 d. C.) y el Renacimiento italiano temprano (1400), el arte medieval occidental se limita a la cultura bizantina (Imperio Romano de Oriente), el arte insular de Hiberno-Saxon, obras de arte de las cortes reales de Carlomagno y sus sucesores ottonianos y, finalmente, desde aproximadamente 1000 en adelante, los movimientos europeos de Arte cristiano, conocido como románico y gótico. Fue solo durante los últimos 400 años que los nombres individuales de pintores, escultores y otros artistas decorativos comenzaron a registrarse con regularidad. Así, la mayoría de nuestros artistas datan de este período.
Suprematismo: movimiento de arte abstracto ruso
26/03/2019 4 316
Para más información sobre los movimientos de pintura en Rusia, por favor mira: Arte ruso.
Movimiento de arte surrealista
27/10/2020 30 108
¿Qué es el surrealismo? – Características
El surrealismo fue "el" movimiento artístico de moda de los años de entreguerras, y el último gran movimiento artístico asociado con el Ecole de Paris, desde donde se extendió por Europa, convirtiéndose en una de las escuelas o estilos más influyentes de arte de vanguardia. Su nombre deriva de la frase Drame surrealiste, el subtítulo de una obra de 1917 del escritor y crítico de arte. Guillaume Apollinaire (1880-1918). El surrealismo surgió del "antiarte" nihilista Dada movimiento, la mayoría de cuyos miembros se convirtieron en surrealistas. Sin embargo, aunque era tan "revolucionario" como Dada, el surrealismo era menos abiertamente político y abogaba por una filosofía más positiva, resumida por André Breton como " pensamiento expresado en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, y fuera de todas las consideraciones morales y estéticas. ".
Tachisme, Art Informel: Historia, Características
27/10/2020 4 119
Una subvariante del más amplio Art Informel estilo – uno de los más importantes movimientos de arte moderno en Europa durante el período posterior a la Segunda Guerra Mundial: el tachisme era una forma manchada de pintura gestual, una variante europea de " pintura de acción ".
Tiziano y pintura en color veneciano
27/10/2020 15 239
Introducción
’Miguel Ángel para la forma y Tiziano para el color’: esta dicotomía muy usada, que se originó en el cinquecento El descubrimiento, como resultado de la limpieza, del brillo y la sutileza del color en la vida de Miguel Ángel ha sido recientemente desordenado. Frescos de la Capilla Sixtina; y nadie que vio la exhibición de colores variados y espléndidos a principios del siglo XVI florentino Alto renacimiento Las pinturas de las exposiciones Medici de 1980 podrían dudar de la importancia del color, o al menos de los colores, para los artistas italianos centrales. Si esta exposición fuera de Florencia en lugar de Pintura veneciana los colores serían más brillantes, más variados en tonalidad y en conjunto más deslumbrantes que lo que vemos ante nosotros. ¿Por qué entonces la importancia dada, desde Vasari en adelante, al color veneciano?
Trecento, arte italiano del siglo XIV.
27/10/2020 6 521
¿Cuál es el significado de Trecento?
El término " trecento " (italiano para "trescientos") es la abreviatura de " milletrecento " ("mil trescientos"), que significa el siglo XIV. Un período muy creativo, fue testigo de la aparición de Pintura prerrenacentista, así como escultura y arquitectura durante el período 1300-1400. De hecho, dado que el trecento coincide con el movimiento prerrenacentista, el término se usa a menudo como sinónimo de Arte protorrenacentista – es decir, el puente entre medieval Arte gótico y el Renacimiento temprano. El siguiente siglo (1400-1500) se conoce como el quattrocento , y el que sigue (1500-1600) se conoce como cinquecento .
Academia Francesa de Bellas Artes: Historia, controversia de salón
25/10/2020 9 384
Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura yotras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Muebles franceses, muebles antiguos (1640-1792)
25/10/2020 67 175
Cronología de muebles francesesLouis Quatorze XIV (1643-1715) Regencia (1715-23) Louis Quinze XV (1723-74) Louis Seize XVI (1774-92).
Pintores postimpresionistas en Francia: (1880-1930)
26/10/2020 12 194
La etiqueta Post impresionismo nunca fue utilizado por los propios postimpresionistas. Fue acuñado en 1910 por Roger Fry cuando realizó una exposición en Londres llamada Manet and the Post-Impressionists. Cezanne , Gauguiny Van Goghfueron los artistas centrales de este espectáculo ya que, según Fry, fueron los tres grandes pintores que se habían vuelto contra el impresionismo en la búsqueda de algo más allá de la pintura naturalista. Manet fue incluido como su predecesor en esta búsqueda. Otros importantes posimpresionistas en Francia incluyen: Pierre Bonnard, Andre Derain, Matisse, Picasso, Henri Rousseau, Georges Seurat, Paul Signac y Toulouse-Lautrec, entre muchos otros. Varios de estos pintores se beneficiaron del apoyo del comerciante y coleccionista de arte. Ambroise Vollard (1866-1939).
Artistas barrocos franceses
25/10/2020 10 932
El movimiento barroco
El estilo grandioso, inspirador y populista de Arte barroco abarcó la arquitectura, la escultura y la pintura, y fue impulsado esencialmente por la agenda revivalista de la Iglesia Católica Romana para mejorar su imagen después de la revuelta protestante de principios del siglo XVI. Sin embargo, tenía su sede en Roma, que seguía siendo el centro de arte europeo (y mundial), por lo que países como Inglaterra, Alemania y Francia estaban, en cierta medida, en la periferia de la teoría y la práctica del arte barroco. Por ejemplo, dos de los más grandes pintores barrocos de Francia, el clasicista. Nicolas Poussin (1594–1665), y el artista paisajista italiano Claude Lorrain (1600–1682) optó por pasar la mayor parte de su vida laboral en Italia. Sin embargo, la arquitectura barroca siguió siendo un elemento clave para ayudar a reforzar el absolutismo de los monarcas reinantes, como el rey francés Luis XIV, mientras que los escultores y pintores franceses adoptaron el estilo barroco con no poco entusiasmo.
Arte decorativo francés (1640-1792)
25/10/2020 33 995
Serie de artes decorativas en Francia (1) Artes decorativas francesas (1640-1792) (2) Diseñadores decorativos franceses (3) Muebles reales franceses
Pintores del siglo XX, artistas
28/10/2019 27 354
CONTENIDO
Introducción
El siglo 20 fue el escenario de algunos de los mejores artistas modernos en Historia. A excepción del impresionismo, fue testigo de todos los movimientos influyentes de arte Moderno (modernismo), más los estilos más fragmentados de arte contemporáneo (posmodernismo). Desde el colorismo más vívido (fauvismo, expresionismo) hasta la pintura intelectual revolucionaria (cubismo, constructivismo) y el arte político ( Entartete Kunst, realismo socialista), el período dio lugar a una gran cantidad de escuelas, teorías y estéticas diferentes. Aunque el número de pintores abstractos aumentó sustancialmente desde finales de 1900 en adelante, en forma de cubistas, suprematistas, el movimiento De Stijl, el expresionismo abstracto y los minimalistas, los artistas figurativos continuaron desarrollando nuevas técnicas y métodos. La pintura mural disfrutó de un renacimiento en México; el paisaje urbano y social era central para la Escuela Ashcan, los realistas sociales, los precisióncistas y los artistas de graffiti; mientras que los surrealistas, la London School y los fotorrealistas buscaron expresar su propia forma de figuración. ¡Y, por supuesto, estaban los dadaístas antiarte para desafiar toda estética convencional!
Cinquecento: arte italiano del siglo XVI
25/10/2020 7 833
Recursos adicionales
¿Cuál es el significado de Cinquecento?
La palabra "cinquecento" (italiano para ’quinientos’) – una abreviatura de "millecinquecento" (italiano para ’mil quinientos’) – se usa en historia del Arte como una descripción del siglo XVI en Italia. Tradicionalmente abarca actividades culturales en los campos de la arquitectura italiana, la pintura y la escultura durante el período 1500-1600. El cinquecento fue testigo del florecimiento completo de Arte del alto renacimiento – en Roma, Venecia y, en menor medida, Florencia – así como los relacionados Manierismo movimiento que siguió. Por lo tanto, se puede decir que representa el difunto Renacimiento italiano. (Nota: la palabra "Renacimiento", usada para describir el renacimiento cultural de Europa, durante el período 1400-1600, fue acuñada por primera vez por el historiador francés Jules Michelet.) Tal como fue, las primeras tres décadas del siglo XVI vieron el cenit de Arte renacentista. Este clímax artístico fue principalmente sobre el Renacimiento en Roma ya que coincidió con las ambiciones papales de restaurar la ciudad a su lugar legítimo como el principal centro de Art º y cultura en Italia. En efecto, Papa Julio II (1503-13), el papa León X (1513-21) y Clemente VII (1523-34) gastaron tanto en comisionar a los mejores pintores, escultores y arquitectos de Cinquecento para embellecer y decorar el Vaticano, así como la ciudad de Roma, que casi llevaron a la bancarrota a la Iglesia. Además, sus celosos intentos de recaudar dinero de las congregaciones de toda Europa fueron una causa importante de la rebelión protestante. Para más detalles, ver: Arte católico de contrarreforma. El cinquecento también vio el saqueo de Roma (1527), que causó un gran caos y agitación, así como el surgimiento de Pintura veneciana bajo Tiziano (c.1488-1576), Tintoretto (1518-1594) y Paolo Veronese (1528-1588).
Escuela de diseño Bauhaus: historia, profesores
25/10/2020 17 788
Introducción
Bauhaus, la palabra alemana para "casa de construcción", se refiere a Staatliches Bauhaus , una escuela de diseño alemana fundada en Weimar por Walter Gropius (1883-1969) que funcionó de 1919 a 1933 y que enseñó una fusión de Art º y artesanía. Se hizo famoso por su enfoque modernista de la educación artística, que eliminó la división tradicional entre las artes "bellas" y "aplicadas", y redefinió la relación entre el arte, diseño y técnicas de fabricación industrial. En particular, su misión según Gropius era concebir y crear el nuevo edificio del futuro, combinando arquitectura, escultura y pintura en una sola forma, lo que requería la enseñanza de un nuevo gremio de artesanos sin las distinciones de clase que separan a los artesanos y artistas. En resumen, la Bauhaus entrenó a los estudiantes para que se sientan igualmente cómodos con el diseño, la artesanía y los métodos de producción en masa.
Expresionismo en el arte
25/10/2020 9 655
¿Qué es el arte expresionista? – Características
El expresionismo es una forma de arte intensamente personal. El artista expresionista se esfuerza por transmitir sus sentimientos personales sobre el objeto pintado, en lugar de simplemente registrar su observación del mismo. Por lo tanto, para lograr el máximo impacto en el espectador, la precisión de la representación se sacrifica (distorsiona) en favor de (por ejemplo) contornos fuertes y colores llamativos. Las composiciones tienden a ser más simples y directas, y a menudo se caracterizan por pintura gruesa de empaste, pinceladas sueltas y de aplicación libre y ocasionales simbolismo. El mensaje es lo más importante.